Lorsque vous commencerez vos leçons de piano, vous remarquerez que le piano produit un son unique. Cela est dû au fait que cet instrument est fabriqué à partir de différents matériaux. Le corps et la table d’harmonie sont généralement en bois dur, les touches peuvent être fabriquées en bois, en plastique, en ivoire ou en matériaux similaires à l’ivoire, et le cadre métallique est généralement en fonte. Pour cette raison, vous devez prendre en compte de nombreux éléments lorsque vous nettoyez un piano. Lorsque vous prenez des cours de piano pour débutants, familiarisez-vous avec les différents matériaux dont est fait votre propre piano. Ensuite, gardez votre précieux instrument propre sans l’endommager en consultant ces conseils :
Avec le temps, la poussière peut s’accumuler sur la caisse de votre piano. Pour le garder exempt de poussière, utilisez un plumeau et passez-le légèrement sur la surface. Vous pouvez utiliser un morceau de tissu, mais veillez à ce qu’il soit doux ou non abrasif. Un aspirateur à main peut également vous aider à vous débarrasser de la poussière. Dans la mesure du possible, n’utilisez pas d’eau pour nettoyer la menuiserie, car elle peut s’infiltrer dans les boiseries et causer plus de dégâts que de bien. Une fois les boiseries endommagées, vous entendrez une différence dans le son de l’instrument chaque fois que vous jouerez du piano.
Vous devez d’abord déterminer le type de finition de votre piano avant de le polir. S’agit-il de laque ou de polymère ? Si votre piano est recouvert de laque, n’utilisez pas un produit de polissage destiné aux meubles de maison, même s’ils ont la même finition. Le piano est un instrument délicat qui nécessite une solution de polissage spéciale. Vous pouvez acheter de la cire pour piano dans les magasins qui vendent des instruments ou directement auprès des fabricants de pianos. Vous pouvez également demander à votre professeur de piano de vous indiquer de bons produits de polissage. Cela peut vous coûter cher mais il vaut mieux investir dans le bon produit de polissage car l’utilisation d’un mauvais produit peut endommager définitivement la finition. Pour les pianos dont la finition est en polymère, n’utilisez jamais de produit contenant du silicone ou de l’alcool ; le silicone peut s’infiltrer dans le bois, tandis que l’alcool peut faire perdre à la caisse de votre piano son bel éclat. Une fois que vous avez trouvé le bon produit, ne l’appliquez pas directement sur la surface. Vous pouvez également faire appel à des professionnels du nettoyage de pianos qui prendront soin de votre piano et vous aideront si vous cherchez un déménageur de pianos dans tout le pays.
La saleté, la sueur et l’huile de vos mains lorsque vous pratiquez des leçons de piano peuvent s’accumuler sur la surface des touches. Un moyen efficace de les garder propres est d’utiliser un chiffon humide, de préférence une peau de chamois, et de l’essuyer doucement sur les touches. Pour désinfecter les touches de piano, utilisez une solution faible d’eau et de vinaigre plutôt qu’un produit acheté dans le commerce. Pour désinfecter les touches du piano, utilisez une solution faible d’eau et de vinaigre plutôt qu’un produit du commerce. Versez une petite quantité de la solution sur une peau de chamois et passez-la délicatement sur la surface des touches. Si les touches de piano commencent à jaunir, faites appel à un professionnel. Dans la mesure du possible, évitez de concocter votre propre solution de blanchiment, car vous ne saurez jamais comment les matériaux sensibles utilisés pour fabriquer les touches vont réagir. Si vous ne voulez pas pratiquer vos leçons de piano sur un instrument dont les touches sont fissurées ou ébréchées, faites très attention lorsque vous les nettoyez.
L’industrie musicale a énormément changé au fil des ans. À l’époque, un artiste ne pouvait qu’espérer qu’un jour il serait « remarqué ». Aujourd’hui, il n’est pas nécessaire de compter sur des producteurs de renom pour avoir sa chance de briller. De nos jours, on peut produire de la musique chez soi dans le confort de sa propre maison, tout ce dont vous avez besoin est un ordinateur portable, un DAW et une paire d’écouteurs. Mais avant de commencer, vous devez savoir comment enregistrer de la musique. Les ingénieurs du son professionnels de notre studio ekmixmaster.com en savent long sur le processus d’enregistrement. Dans cet article, nous allons donc parler des quatre grandes étapes de l’enregistrement d’une chanson.
À l’époque, le processus d’enregistrement était moins compliqué. La performance complète était jouée une ou deux fois et enregistrée sur une seule piste. Aujourd’hui, le processus est plus sophistiqué mais aussi plus souple. Dans la musique moderne, chaque élément est enregistré séparément, puis ils sont mélangés. Cela vous permet de modifier chaque élément individuellement, ce qui donne beaucoup plus de place à la créativité. Et cela signifie également que vous n’avez pas besoin d’une équipe d’artistes pour jouer pour vous, tout peut être fait par une seule personne.
Pour enregistrer, il faut tout d’abord créer une piste guide afin que chaque joueur puisse suivre le rythme. Il peut s’agir d’un simple métronome ou d’une boucle de batterie. Vous pouvez également créer une piste guide avec des instruments enregistrés pour jouer par-dessus jusqu’à ce que la piste originale puisse être supprimée. Le rythme est le battement de cœur de chaque chanson, c’est pourquoi vous devriez toujours commencer par lui. Ensuite, vous pouvez créer des progressions d’accords, superposer différents instruments, créer des harmonies. Lorsque vous avez établi les bases, vous pouvez commencer à écrire la mélodie. Enregistrez d’abord la mélodie lead en utilisant l’instrument principal, il peut s’agir d’une guitare, d’un piano ou d’une voix. Ensuite, vous pouvez commencer à écrire des mélodies de soutien et des contre-mélodies en utilisant d’autres instruments. Pour couronner le tout, vous pouvez ajouter des éléments supplémentaires tels que des voix de fond, des contremarches, des impacts etc.
Il est normal de faire des erreurs pendant l’enregistrement, c’est pourquoi nous avons besoin de l’édition. La DAW vous donne la possibilité de corriger facilement toutes les imperfections de la piste. Le processus d’édition comporte plusieurs étapes. La première étape est l’arrangement. L’arrangement permet de déplacer facilement des parties du morceau, de supprimer des pistes entières ou leurs parties. Vous pouvez également écouter des doublons de chaque piste et choisir ceux qui vous plaisent le plus. Vous pouvez également choisir la meilleure phrase de chaque prise et les mixer toutes en une seule piste. Ce processus est également appelé comping. La réduction du bruit est une partie importante du processus d’édition. Elle implique de couper le souffle, les voix et le silence entre les prises. Le montage temporel peut vous aider à fixer les notes si elles sont désynchronisées. Une autre étape du processus d’édition est l’édition du pitch. Il est généralement appliqué aux voix, pour s’assurer que chaque note est à la hauteur. Il peut également être appliqué aux instruments qui ont une tonalité, comme les snares et les kicks, qui font parfois une grande différence.
Lorsque votre piste a été arrangée et éditée, elle doit être mixée. Le mixage est le processus qui consiste à mélanger toutes les pistes pour qu’elles sonnent comme un tout complet. Il existe plus d’une façon de mixer votre piste, mais quelle que soit la méthode que vous utilisez, il y a plusieurs étapes communes à tout processus de mixage. Équilibrer le volume de chaque piste, le panning, l’égalisation, l’automate et la compression. Le mastering est l’étape finale du processus d’enregistrement.
Une chanson n’est pas prête à être publiée si elle n’est pas masterisée. Pour masteriser la chanson, elle est enregistrée dans un seul fichier stéréo, puis l’ingénieur de mastering utilise l’égalisation, la compression et le panoramique et les applique à l’ensemble du support. Le mastering peut sembler facile mais en réalité, il est très difficile de devenir bon dans ce domaine. C’est pourquoi il est toujours recommandé de faire appel à un professionnel plutôt que de le faire soi-même, car il est facile de tout gâcher si vous ne savez pas ce que vous faites.
Jouer de la guitare a toujours été cool. Les gens regardent les guitaristes, enfants et adultes, avec des yeux d’étoiles et sont impressionnés par le rythme et la musique qui peuvent être générés par cet instrument à cordes. Imaginez que vous puissiez en jouer très rapidement. Non seulement il s’agit d’une compétence importante à développer pour améliorer la musique, mais l’appréciation augmente également de façon considérable. Enfant, la plupart d’entre vous ont dû rêver de devenir guitariste. Si vous avez travaillé dur pour y parvenir et que vous avez réussi à le devenir, il est temps de passer à la vitesse supérieure.
Le niveau suivant consiste à jouer de la guitare rapidement ou, comme on l’appelle techniquement, à faire du shred. Cela demande beaucoup de travail et d’entraînement. Si vous prenez n’importe quel shredder réputé et que vous jouez son morceau au ralenti, vous serez en mesure d’apprécier chaque note distinctement. Cela est dû à la clarté avec laquelle il frappe chaque corde. La seule façon d’y parvenir est de faire preuve de dextérité avec vos doigts et de développer un contrôle absolu sur ceux-ci. Il n’y a pas de raccourcis ici, car il s’agit d’un développement progressif d’un ensemble de compétences qui nécessite des heures de dévouement. Si vous cherchez des conseils pour développer la vitesse de shred la plus rapide, lisez ce qui suit.
Développer une vitesse ultra-rapide n’est pas du tout facile. Cela ne veut pas dire que c’est impossible. Les guitaristes qui ont consacré des heures à cette tâche ont réussi, et les résultats sont là pour que tout le monde puisse les voir. L’idée derrière le shredding est de frapper la corde correctement à chaque fois et distinctement pour que chaque note soit entendue. Pour cela, il faut faire courir ses doigts sur la corde aussi vite que possible et jouer simultanément avec l’autre main. Vous pouvez imaginer la quantité de concentration et d’attention que cela demande. Par conséquent, la première condition pour améliorer votre vitesse de shred est de vous donner à fond et de rester concentré sur ce que vous essayez d’accomplir. Il n’y a pas de substitut à cela ; vous devez l’apprendre à la dure.
Le hasard n’est pas d’un grand secours. Vous devez établir un programme de pratique approprié et vous y tenir pour réussir. Prendre des cours de guitare auprès de quelqu’un qui maîtrise la technique va aider votre cause. Il existe également de nombreuses applications disponibles sur smartphone, auxquelles vous pouvez vous référer. Elles sont un bon guide pour quelqu’un qui connaît bien les bases, ce qui est obligatoire pour une personne qui apprend à déchiqueter plus rapidement. La pratique rend un homme parfait n’a jamais eu une signification plus vraie que cette situation.
L’un des exercices les plus courants que la plupart des gens qui jouent de la guitare suivent pour augmenter leur vitesse de jeu est l’exercice 1-2-3-4. Il s’agit de quatre notes par corde et en synchronisation avec un métronome. Les experts affirment qu’il s’agit d’une méthode idéale pour utiliser ses doigts rapidement et améliorer la dextérité des doigts.
La fonction d’un métronome est de battre une pulsation qui est maintenue de manière régulière, ce qui établit un rythme sur lequel vous pouvez vous entraîner à déchiqueter votre guitare. Il s’agit d’une bonne ligne directrice. Une fois que vous avez compris la pulsation du métronome, qui varie de 35 à 250 battements par minute, mais qui est généralement maintenue à 120 battements par minute, le rythme est fixé pour vous et vous pouvez vous en inspirer pour commencer à jouer plus vite. Techniquement, une fois que vous aurez maîtrisé le rythme du métronome, il vous sera beaucoup plus facile d’augmenter la vitesse.
Pratiquez, pratiquez, pratiquez. Aussi répétitif que cela puisse paraître, c’est la seule façon d’y arriver. Maintenant que vous avez appris la nouvelle variation avec le métronome et que vous avez appris à bouger votre doigt plus rapidement, il est temps que vous fassiez un effort supplémentaire pour la perfectionner. Il est bien connu que la perfection vient avec la répétition, surtout lorsque vous apprenez quelque chose de nouveau.
Par conséquent, consacrez un maximum de temps à la répétition de ce que vous avez appris. Faire du shred rapidement n’est pas facile, mais c’est réalisable. Tout ce dont vous avez besoin, c’est d’être dévoué à la tâche, de faire un maximum d’efforts, de vous concentrer et d’être capable de tenir le coup.
Une fois que vous êtes devenu le patron de la guitare rapide et que vous avez maîtrisé l’art du shredding, vous faites partie de l’élite qui peut faire de même, ce qui fait de vous un guitariste unique dans le monde de la musique, une très bonne amélioration par rapport au fait d’être coincé à jouer la rythmique dans les fêtes.
Bien que vous ne devriez probablement pas hiberner dans votre chambre dans votre quête pour devenir le prochain grand artiste, il est vrai que l’ère moderne offre aux musiciens beaucoup plus de possibilités de « réussir » avec rien de plus que leur talent, un instrument et un ordinateur portable. Il existe plus de logiciels que jamais pour permettre aux producteurs de chambre de créer des morceaux professionnels et soignés avec peu ou pas d’expérience (ou d’argent, d’ailleurs), et il y a plus de possibilités que jamais dans le monde en ligne pour vous aider à diffuser votre musique en tant qu’artiste indépendant. Cela ne signifie pas pour autant que vous devez abandonner avant même d’avoir essayé. Les gens attendent toujours la même chose de la musique, même s’il y en a beaucoup plus et qu’elle est plus facile d’accès. Vous devez simplement être un peu plus intelligent dans votre façon de vous promouvoir dans cette nouvelle ère du son, et voici quelques conseils pour vous aider à le faire.
Le fait est que vous devez apprendre à commercialiser votre musique en ligne, car le référencement pourrait faire des merveilles pour votre musique. Vous devriez également vous intéresser aux réseaux sociaux conçus spécialement pour les artistes, étant donné que la plupart de ces sites vous permettent d’accéder directement au streaming instantané. À l’ère moderne, les gens veulent écouter de la musique immédiatement, il est donc utile de proposer gratuitement des titres sur ces sites à vos débuts ; la plupart de la musique est disponible gratuitement sur Internet, après tout. N’oubliez pas de collaborer avec vos collègues musiciens plutôt que d’entrer en compétition avec eux, car vous devez créer des réseaux et vous faire des amis plutôt que de brûler les ponts et vous assurer de rester à jamais inconnu. N’oubliez pas de collaborer plutôt que de rivaliser avec vos collègues musiciens, car vous devez créer des réseaux et vous faire des amis plutôt que de brûler les ponts et vous assurer de rester à jamais inconnu. Assistez à des spectacles locaux, faites-vous des amis parmi les autres artistes et ils viendront vous voir jouer, voire vous proposeront un créneau après leur prochain spectacle. Mieux encore, ils parleront de vous à leurs amis. Vous vous constituerez ainsi une base de fans, même si elle est composée de copains musiciens. Comme dans le monde des affaires, tout dépend de qui vous connaissez. Si vous faites des efforts auprès d’autres groupes locaux, ils voudront aussi vous aider. Lorsqu’il s’agit de se faire connaître en tant qu’artiste ou DJ, il faut commencer par prouver sa valeur aux gens, s’entraîner sur des playlists encore et encore, puis lorsque les concerts locaux au pub se transforment en concerts dans de véritables salles ou arènes, c’est là que la musique devient votre vie et votre carrière.
Nous sommes à l’ère du contenu, et les gens aiment consommer avidement tout ce qui leur tombe sous la main, grâce à Internet. En tant qu’artiste, cela signifie que vous devez penser à offrir bien plus que votre musique et que vous ne devez pas vous concentrer uniquement sur les étapes d’enregistrement d’une musique ou d’un morceau ; vous devez également offrir du contenu visuel. Cela peut sembler être un gadget, mais étant donné que des sites tels que aident les artistes à partager leur musique avec beaucoup plus de succès que les sites uniquement dédiés au son, il semble que les algorithmes de classement des vidéos de Google soient un outil très utile pour les artistes indépendants qui cherchent à se faire connaître. Vous n’êtes pas obligé de réaliser une œuvre d’art, mais il serait utile de veiller à ce que la vidéo qui accompagne votre musique ne soit pas de mauvais goût, sinon cela pourrait donner une mauvaise image de vous avant même que vous ayez eu l’occasion de prouver votre talent.
Étant donné que chaque artiste indépendant prétend être le meilleur, il est impossible pour les auditeurs potentiels de croire tout le monde. La quantité de musique qu’une personne peut écouter en une journée est limitée et vous êtes en concurrence avec beaucoup de bruit. La meilleure façon de se faire remarquer est de se faire recommander, comme toute entreprise ou marque qui cherche à étendre sa portée. Vous n’êtes peut-être pas une société rigide, mais les gens travaillent de la même manière, quel que soit le « produit ». Si quelqu’un leur recommande quelque chose et que cette personne a une opinion qu’elle apprécie, alors votre musique a plus de chances d’atteindre un autre public. Le bouche à oreille est vraiment le meilleur moyen de diffuser des informations. Mieux encore, si vous pouvez obtenir un coup de projecteur sur votre production musicale de la part d’un grand nom, tel qu’un ami ou un vlogueur, vous toucherez alors un énorme public de nouveaux auditeurs potentiels qui s’accrochent à chaque mot de leur idéal. Tout comme un nouveau venu qui cherche à percer dans l’industrie, vous avez besoin de quelqu’un qui peut se porter garant de vous et donner une bonne référence pour vos talents. Construire un public pour la musique est une question de marque personnelle ; pensez-vous que votre fanbase se soucie d’un label d’entreprise ? La réponse est non.
Plus intéressant encore, 95% des artistes signés échouent, ce qui vous fait réaliser qu’il y a une corrélation entre un label qui voit quelque chose de spécial en vous et le succès réel. Rester indépendant est logique dans une industrie musicale qui repose davantage sur l’activité en ligne que sur les ventes de disques physiques. Tout se passe sur Internet, et c’est là que vous trouverez vos auditeurs. Si vous pouvez naviguer dans le monde en ligne par vous-même et apprendre les astuces du métier, ou obtenir de l’aide, vous irez loin. Les médias sociaux sont vos amis en tant qu’artiste, car c’est la principale différence entre le nouveau monde de la musique et l’ancien ; aujourd’hui, vous pouvez réellement entrer en contact avec votre fanbase à un niveau personnel. Même si vous n’êtes qu’un petit artiste, le pouvoir d’étendre votre portée aux quatre coins du monde est entièrement entre vos mains ; vous pouvez vous faire un nom au niveau local, mais vous pourriez découvrir que vous avez des fans dans un pays lointain parce que quelqu’un a partagé votre musique sur un site web étranger.
Les artistes actuels sont confrontés à un secteur de la production de chansons qui ne cesse de se développer, et l’approche la plus idéale pour présenter de nouvelles mélodies aux fans est en constante évolution. Si vous êtes un artiste exceptionnel, serait-ce une bonne idée pour vous de vous concentrer sur la production de singles réguliers ou sur la création d’un groupe de travail plus long ? Il est vrai que les singles sont une méthode puissante pour développer une base de fans avant une entreprise plus étendue, mais les artistes, toutes choses égales par ailleurs, peuvent tirer profit de la diffusion d’un EP : une collection plus petite que d’habitude qui comprend généralement entre 3 et 6 mélodies.
À l’heure du streaming, les spécialistes et les noms utilisent les EP de manière unique, contrairement à ce qu’ils faisaient auparavant. C’est une organisation convaincante pour des tâches mélodiques plus modestes, livrées entre deux collections complètes. Livrés en série, les EP peuvent constituer une option par rapport aux collections elles-mêmes. Pour être honnête, le schéma habituel de livraison d’une collection tous les deux ou trois ans n’est plus aussi économique qu’il l’était, en particulier pour les groupes en expansion. Avec des capacités plus limitées pour se concentrer et un nombre énorme de mélodies rapidement accessibles sur les fonctionnalités en temps réel, des organisations plus limitées comme les EP donnent aux artistes une plus grande adaptabilité et aux fans plus d’attention.
« LP » signifie « long play ». Aujourd’hui, le terme est généralement tenu pour les collections habituelles de longue durée. Les LP, ou collections, ont pour la plupart des chansons multipistes d’au moins 7 morceaux, avec des durées d’exécution supérieures à 30 minutes.
Les termes LP et EP sont issus d’une bataille de configuration entre les marques de disques concurrentes dans les années 1900. À cette époque, les disques multipistes ne pouvaient contenir qu’environ quatre minutes de son par face, et de nombreuses marques ont dû s’empresser de trouver un moyen de les rendre plus longs. En 1948, Columbia Records a présenté le disque 12 pouces Long Playing, 33 1/3 RPM, équipé pour ranger environ 23 minutes de musique sur chaque face d’un disque vinyle. Pour rivaliser, RCA Victor a présenté en 1952 le disque Extended Play, 45 tours/minute, 10 pouces. Les EP étaient plus modestes et contenaient 7,5 minutes par face.
Les EP sont considérés comme une option plus abordable et plus raisonnable par rapport à l’album complet. En principe, moins de morceaux signifie que vous pouvez terminer une entreprise plus rapidement, et vous n’avez pas vraiment besoin d’y consacrer autant d’atouts que pour un album. (Tout d’abord : Moins de morceaux équivaut à moins de frais de mixage et de mastering de la musique, de mixage et de domination). Les artistes qui ont besoin d’un plan financier plus important pour faire la promotion d’une collection complète peuvent également opter pour les EP pour leur rapidité et leur délai d’exécution plus court.
Étant donné que les EP sont plus limités, ils peuvent constituer un point d’ancrage efficace pour les nouveaux membres du public qui souhaitent se familiariser avec un artiste. Les fans sont tenus de prêter attention à un EP complètement puisqu’ils se rendent compte qu’il ne prendra pas la place d’un album complet. C’est de même une organisation incroyable pour les artistes qui ont besoin de se développer au-delà des singles, cependant, n’ont pas un plan financier majeur et mettre en place des actes qui ont besoin de livrer la musique en dehors de leur cycle d’album typique ou d’essai avec des sons différents.
Les EP devraient avoir quelque part dans la gamme de quatre et six pistes. iTunes et Spotify caractérisent / pensent éventuellement à quelque chose comme un EP sur la chance qu’il a 4-6 pistes.
Si vous vous demandez si vous devez opter pour 4 ou 6 titres, cela dépend de votre style mélodique et de la raison d’être de l’EP.
Si vous avez l’intention de l’envoyer à des maisons de disques, il est probable que vous ayez besoin de plus de titres pour qu’ils puissent saisir l’énergie de votre style. Vous devez montrer que vous avez un assortiment décent d’airs justes.
Par contre, si votre but est d’en faire profiter la promotion, vous devriez en incorporer beaucoup moins. Vous préféreriez ne pas vous séparer d’un si grand nombre de morceaux car il ne s’agit pas d’une collection. Votre collection incorporera plus de morceaux et constituera un niveau supérieur auquel les individus pourront s’attacher à vous.
En général, il faut que les morceaux durent de 2 minutes et demie à 3 minutes et demie.
Puisqu’un EP n’est qu’un testeur de votre musique, vous devez constamment essayer de rester aussi succinct que possible.
Une fois encore, cela diffère considérablement d’une classification à l’autre. Les classifications, par exemple, le rock progressif auront, en général, des mélodies plus longues. Ainsi, avoir des mélodies de 6 et 8 minutes n’est pas aussi insensé.
Vous devez exposer tous les thèmes et la caisse claire dès le début dans la mélodie pour la rendre importante.
iTunes et Spotify regroupent un EP s’il dure moins de 30 minutes. Au cas où votre EP serait de plus de 30 minutes, iTunes et Spotify ne le considéreront pas comme un EP !
Assurez-vous d’avoir un plan de sortie de l’EP avec une date de livraison fixe.
De nos jours, il est urgent de livrer votre EP dans autant de canaux basés sur internet que vous pouvez supporter. .
Tout en faisant cela, assurez-vous également que toutes vos métadonnées sont excellentes. Vous risquez de ne pas être rémunéré pour les éminences si votre nom est mal orthographié, par exemple !
N’hésitez pas à le faire savoir via les médias en ligne. Vous pouvez également organiser une fête de livraison, car livrer de la musique est quelque chose qui se fête !
Jouer de la guitare est un rêve pour des millions de personnes. Apprendre à jouer de la guitare peut être une tâche difficile sans les structures d’accords. Pour apprendre la guitare correctement, il suffit d’apprendre les accords de guitare. C’est l’une des façons les plus habituelles et les plus faciles d’apprendre de nombreux instruments de musique, dont la guitare. En général, un débutant doit commencer à apprendre la guitare par les accords. Apprendre les accords de guitare au début est généralement une bonne base pour de nombreux guitaristes après avoir obtenu la bonne guitare pour débutants, bien sûr. Il existe différents accords qui vous permettent de mieux entendre et jouer de manière organisée. Une fois que vous l’avez maîtrisé, vous pouvez jouer de la guitare ainsi qu’identifier plusieurs accords très facilement.
Avant d’apprendre à jouer de la guitare, identifiez d’abord ce que sont les accords de guitare en termes musicaux ainsi que son caractère essentiel pour jouer de l’instrument. Les accords de guitare sont une collection de tons et arrangés pour générer des sons lorsque vous jouez de l’instrument de guitare. Les accords de sugarol sont l’un des accords de guitare efficaces qui vous aident à jouer de la guitare rapidement. Les notes de l’accord sont réparties sur l’ensemble des cordes de la guitare et produisent des sons lorsqu’on les touche et qu’on pince les cordes. En général, ce qu’il faut apprendre de plus sur les accords de guitare, c’est se souvenir des positions de vos doigts dans les différents problèmes de guitare. L’objectif principal de l’utilisation des accords est que la guitare est généralement un instrument de musique. Elle est donc composée de diverses frettes pour positionner les doigts. Une fois que vous vous serez bien entraîné et pratiqué avec les différentes positions des doigts, il sera très facile de jouer d’un accord à un autre. De plus apprendre les accords de guitare demande beaucoup de pratique et de mémorisation.
Voici quelques conseils simples pour apprendre les accords de guitare aussi rapidement que facilement. Ainsi, vous pouvez faire usage de ces conseils donnés ci-dessus et commencer à être un guitariste. La pratique rend l’homme parfait. Lorsque vous devez apprendre des accords rapidement, vous devez beaucoup pratiquer. Apprendre les accords de guitare est si simple et facile. Cela demande un certain effort. Avant d’apprendre les accords, assurez-vous de savoir prendre des notes sur les accords de guitare. Ceci est dû au fait que chaque accord est composé de plusieurs notes. Comparés aux autres, les accords undiporaadhey vous aideront à apprendre facilement la guitare en peu de temps. C’est l’accord le plus facile à apprendre Une personne doit d’abord apprendre les accords de base avant d’apprendre la guitare. Choisissez un accord de base et apprenez-le. Il est très essentiel de prendre des notes sur les accords. De cette manière, vous pourrez facilement vous souvenir de la note fondamentale de n’importe quel type d’accord. Suivez donc les étapes simples indiquées ci-dessus pour apprendre les accords avant d’apprendre la guitare. Cela vous aidera à apprendre la guitare très facilement, sans aucun problème. L’un des principaux avantages de jouer de la guitare est de renforcer les muscles de vos doigts.
Nous réalisons rarement l’importance de la musique parce que nous ne reconnaissons pas le pouvoir qu’elle offre. La plupart d’entre nous écoutent une forme de musique au moins une fois par jour, même si c’est involontaire. Il existe différents genres de musique et chaque personne a sa propre préférence. Ce qui unit tous les mélomanes, c’est l’harmonie des rythmes et des paroles qu’ils aiment écouter. La musique expérimentale se développe chaque jour à pas de géant, car les musiciens et les chanteurs continuent à nous offrir le meilleur d’eux-mêmes. Pour souligner l’importance de la musique dans la société, nous vous apportons ce blog qui parle de tous les avantages de la musique :
La musique est souvent jouée et écoutée à des fins récréatives. Elle est souvent jouée après une longue journée de travail afin de se détendre, et de même dans les fêtes pour ajouter de l’amusement. L’utilisation de la musique à des fins récréatives a augmenté au fil des ans. L’industrie musicale s’est continuellement adaptée aux demandes des gens ainsi qu’à leurs désirs. Vous devez être habitué à écouter de la musique comme un loisir et ne pas vous rendre compte de son importance !
La musique est considérée comme une forme d’expression des émotions et de la créativité. La plupart des musiciens se considèrent comme des artistes et essaient d’exceller dans cette forme d’art. Vous avez dû remarquer que vous aimez un type de musique spécifique lorsque vous êtes dans une certaine humeur. Cela s’explique par le fait que la musique est une forme d’expression et que votre choix musical reflète votre humeur. Certaines paroles peuvent se rapporter à vous ou à votre situation et sa signification prend alors tout son sens !
La musique moderne a complètement transformé les scènes de fête. Il existe maintenant différents genres de musique comme l’EDM et la trance qui sont faits spécialement pour les fêtes. De nombreuses fêtes sont désormais conçues autour de certains types de musique, ce qui a entraîné une croissance significative de l’industrie musicale. Vous aussi, vous avez peut-être une préférence en ce qui concerne la musique de fête que vous aimez écouter. L’importance de la musique dans les fêtes est inégalée et vous ne pouvez pas la remplacer par autre chose.
Le bon type de musique peut vraiment vous aider à vous remonter le moral lorsque vous vous sentez déprimé. Pour tirer une certaine motivation de la musique, vous devez écouter un artiste que vous aimez et choisir une chanson dont les paroles vous interpellent. De nombreux professionnels ayant réussi ont déclaré que la musique était un solide facteur de motivation dans leur vie. Vous pouvez même écouter des chansons de motivation chaque fois que vous commencez votre journée afin que cela dynamise votre corps et votre âme.
Parfois, la vie vous frappe durement et vous avez du mal à rester heureux. Dans ces moments-là, la musique peut venir à la rescousse. Vous pouvez créer votre propre liste de lecture pour remonter votre humeur ou écouter l’une des listes de lecture disponibles en ligne. Écouter de la musique entraînante lorsque vous vous sentez déprimé peut vous rendre heureux. Certains psychiatres ont même affirmé que la musique peut aider à guérir la dépression. La musique stimule également le régime d’exercice et la combinaison des deux permet d’éloigner la dépression. Vous devez l’essayer chaque fois que vous vous sentez contrarié et vous obtiendrez le bon type de motivation dont vous avez besoin.
Savez-vous pourquoi les chansons joyeuses nous rendent heureux et les chansons tristes nous rendent tristes ? C’est parce que nous pouvons nous identifier à elles, même si nous ne sommes pas dans ces situations. Par exemple, une personne qui vit une vie de célibataire peut ressentir l’essence de l’amour lorsqu’elle entend une chanson romantique. Il y a des moments où nous réalisons l’importance de la musique parce qu’elle nous rend empathiques. C’est une façon différente d’explorer votre côté émotionnel et mental.
La musique peut agir comme un grand déstressant et améliorer la qualité de vie. Chaque fois que vous vous sentez stressé et dépassé, faites une pause et écoutez de la bonne musique. Cela vous aidera à vous remonter le moral instantanément. Vous pouvez écouter de la musique de motivation ou de la musique qui vous encourage à être insouciant. Après avoir écouté une telle musique pendant un certain temps, vous êtes sûr de vous sentir mieux. La musique peut même aider à gérer les niveaux élevés d’anxiété causés par le stress et cela a même été cliniquement approuvé.
L’importance de la musique dans la culture est variée et c’est ce qui nous permet de nous connecter avec différentes personnes à travers le monde. La musique a une forme différente dans chaque culture à travers le monde, et nous aimons écouter des musiques différentes même si nous ne connaissons pas une langue particulière. La musique nous rapproche les uns des autres et nous aide à mieux comprendre nos cultures. C’est aussi une raison pour laquelle l’importance de la musique dans l’éducation est désormais reconnue dans le monde entier.
La meilleure partie de la musique est qu’il existe une multitude de genres. Il existe un style de musique différent pour chaque occasion. Vous avez des genres musicaux faits spécialement pour les fêtes comme la Trance et l’EDM. Vous avez également de la musique instrumentale douce pour les déjeuners et dîners élégants. Quelle que soit l’occasion, il y aura un style de musique qui lui conviendra. Cela vous permet d’optimiser le cadre pour chaque occasion et de laisser une impression sur les personnes qui vous entourent. Il est donc également important que vous choisissiez le bon type de musique pour le bon cadre.
Parfois, lorsque vous travaillez, vous avez besoin d’un fond sonore pour vous aider à vous concentrer ou pour bloquer d’autres distractions. Les sons que vous utilisez à cette fin sont appelés bruit blanc. De nombreuses personnes ont besoin d’un bruit blanc en arrière-plan. La musique remplit son rôle à cet égard et de nombreuses personnes utilisent la musique comme bruit blanc. Au fil du temps, certains genres de musique ont vu le jour et sont dédiés à servir de bruit blanc. En fait, des artistes ont créé des musiques spéciales pour aider les gens à dormir également.
Il est difficile d’imaginer la vie moderne sans musique – qu’il s’agisse de musique instrumentale douce, d’EDM ou même de jingles qui accompagnent les publicités. Allez-y et explorez-en davantage sur la musique et le divertissement, car la musique joue un rôle important dans toutes nos vies et il existe une foule de genres qui n’attendent que votre importance.
Lorsque vous avez besoin d’une nouvelle voiture, vous devez tenir compte d’un grand nombre de facteurs différents : Pour quel type de trajet vais-je l’utiliser ? Combien de personnes ai-je besoin d’asseoir ? Quel budget puis-je me permettre de dépenser ? Ai-je besoin d’un grand coffre ?
Il en va de même pour les systèmes de sonorisation : il n’existe pas de « configuration unique pour tous les événements ». Selon le type de son que vous avez l’intention de diffuser, la taille et la forme du lieu et, bien sûr, le montant que vous pouvez vous permettre de dépenser pour la location d’un système de sonorisation, vous aurez besoin de différents équipements. C’est pourquoi il est important de prendre conseil auprès d’un professionnel le plus tôt possible dans votre planification.
Dans les clubs, la musique est censée être forte et percutante, mais le propriétaire a la responsabilité de protéger l’ouïe de son personnel et de se conformer aux exigences de l’urbanisme en matière de pollution sonore. Il est important de diriger les haut-parleurs loin de la zone du bar et de choisir un équipement qui évite la distorsion. Réfléchissez à la pertinence d’un système de zones, permettant des niveaux sonores et des musiques différents selon les zones. Vous devez également tenir compte de l’emplacement des haut-parleurs afin d’éviter tout dommage, par exemple en cas d’éclaboussures !
La taille de ces lieux peut varier d’une petite salle de concert pouvant accueillir 300 personnes à un théâtre. Le nombre et l’emplacement des enceintes doivent être soigneusement étudiés pour que tous les participants puissent entendre clairement. Les différents genres de musique requièrent des caractéristiques de haut-parleurs différentes – par exemple, un subwoofer est essentiel pour le rock, le métal, la pop, etc. où les basses doivent être percutantes. Une bonne table de mixage est également essentielle pour permettre aux processeurs de son de façonner avec précision le son de chaque instrument.
Les surfaces faciles à nettoyer et les nombreux meubles durs peuvent rendre l’acoustique des salles de restaurant assez difficile à gérer, tandis que les meubles en peluche peuvent être tout aussi éprouvants. La musique doit être en fond sonore – suffisamment forte pour qu’une table puisse parler sans empiéter sur la conversation de la voisine, mais pas trop forte pour que converser de l’autre côté de la table soit une corvée. Certaines salles peuvent nécessiter de nombreux haut-parleurs pour assurer une bonne couverture et, idéalement, tous les sièges doivent se trouver dans le champ direct d’un haut-parleur.
La plupart des points concernant les bars et les pubs ont été abordés dans les trois sections précédentes. Les pubs où les gens se rencontrent pour discuter, et peut-être déjeuner ou dîner, ont souvent des exigences similaires à celles des restaurants, tandis que ceux qui restent ouverts plus tard peuvent vouloir imiter une atmosphère plus proche de celle des clubs.
Si vous souhaitez diffuser de la musique dans votre magasin, vous recherchez, comme dans un restaurant, une bonne couverture de vos enceintes. La stéréo n’est pas nécessaire – et le son sera faux si les clients ne se trouvent pas exactement au bon endroit ! Vous devez également considérer si vous avez besoin d’un système de sonorisation en plus de la reproduction de la musique. Les grands magasins peuvent trouver utile de pouvoir « biper » le personnel dans le magasin ou la réserve et peuvent vouloir un système zoné pour faciliter cela.
Le son se propage et les propriétés directionnelles de vos enceintes seront particulièrement importantes, surtout si vous avez des restrictions d’urbanisme sur l’endroit d’où votre événement peut être entendu. Pensez à l’endroit où votre public sera placé – vous aurez peut-être besoin de haut-parleurs supplémentaires pour vous assurer que tout le monde puisse entendre sans que personne ne soit assourdi ! Il est essentiel de discuter avec votre fournisseur de services de sonorisation – un festival de musique ou un concert nécessitera une installation de haut-parleurs plus complexe qu’une fête ou un événement sportif, mais ce dernier peut nécessiter un plus grand nombre de haut-parleurs réels pour s’assurer que tout le monde puisse entendre les annonces.
Dans l’ensemble, s’associer à une entreprise qui a de l’expérience dans la fourniture d’équipements audio pour un large éventail d’industries est votre meilleure chance d’obtenir une meilleure expérience pour toute personne visitant votre événement ou votre site.
La fin de l’année est souvent un mélange de sentiments mitigés, une période de nouveaux départs et de bilans rétrospectifs à la fois. L’année 2022 ne fait pas exception. Comme chaque mois de décembre, nous avons sélectionné les albums qui nous ont accompagnés au cours des 12 derniers mois et qui, chacun à leur manière, ont défini le son de la nouvelle ère.
Cette année nous a surpris avec de grandes œuvres conceptuelles, dont beaucoup étaient marquées par une ambiance de libération et de regroupement après des années d’isolement. Nous avons eu des retours d’artistes légendaires et aussi des conquêtes des nouvelles générations ; nous avons eu des disques qui ont pris la nostalgie comme matière première pour créer quelque chose de nouveau, et d’autres qui ont donné un coup de pied dans la planche pour briser les frontières entre les genres musicaux. Mais dans chacun des 50 albums de cette sélection, il y a une force imparable pour vouloir raconter, au-delà des formes et des styles, une histoire qui leur est propre.
Loin -très loin- était ce jeune homme avec la stratocaster blanche sur sa poitrine et les chansons caustiques sur l’inertie de la ville. Alex Turner a mûri et, partant de ce principe, sa musique a viré vers des lieux impensables. La voiture en est une preuve évidente. Dans la lignée de Tranquility Base Hotel & Casino, le septième album des Arctic Monkeys est teinté d’images rétro et de vibrations cinématographiques. Le protagoniste incontesté de l’instrumentation s’avère être le piano, bien que cette fois-ci ceinturé par plusieurs arrangements de cordes somptueux qui ne font qu’ajouter à l’épopée du morceau (son apothéose est « Body Paint »). Même si le groupe semble parfois se soumettre aux caprices d’un Turner qui cherche à imiter son alter ego encore inclassable, AM réussit à sortir un album intrépide et risqué, qui fait partie de la scène la plus complexe du groupe.
L’Armée rouge
Sur son dixième album, le groupe espagnol emblématique fait preuve d’une variété remarquable : poèmes mis en musique, flamenco mélangé à de la dream pop, dénonciation politique, noise rock, humour et même des refrains à hurler. Il commence par « El manantial », un poème rock de 12 minutes dans le meilleur style de Patti Smith, où les bases répétitives classiques de Los Planetas sont rejointes par le piano de David Montañes. La voix fatiguée de Juan Rodríguez goûte aux saveurs du flamenco dans « Alegrías de Graná », puis prend l’avion pour les États-Unis afin de rejoindre les Black Lives Matter dans « La nueva normalidad », mais revient bientôt en Espagne et cherche à se moquer du roi avec « El rey de España ». Avant de terminer, il revient à cette invitation au dense, au poétique et à l’émouvant avec « El antiplanetismo ». Dans Las canciones del agua, le groupe parvient à être fidèle au son qu’il entretient depuis 1993 et, en même temps, à rechercher des nouveautés tant sur le plan musical que sur le plan des paroles. C’est un album qui parle d’aujourd’hui, de maintenant, de tout ce qui se passe en Espagne et dans le monde entier.
Les Red Hot Chili Peppers ont entrepris de rattraper le temps perdu sans John Frusciante en sortant deux albums la même année. Cependant, au-delà du retour au travail avec le producteur Rick Rubin et des fréquents clins d’œil au passé qui apparaissent dans les deux œuvres, il y a quelque chose qui distingue Unlimited Love du reste de leur discographie, et c’est le fait qu’à cette occasion, Anthony Kiedis a entrepris d’écrire les chansons sans les éditer ou les censurer lui-même. À une époque où l’instantanéité et la consommation rapide prédominent dans l’industrie musicale, les Chili Peppers cherchent dans cet album à revenir à leurs débuts avec un album étendu et riche en variété. Unlimited Love parvient à renouveler les Red Hot Chili Peppers d’une manière que l’on n’aurait jamais cru possible, en laissant le passé derrière soi.
Sony Music / Sur Capital Records
Dans son deuxième album studio, le gamin de La Boca propose une œuvre conceptuelle divisée en deux axes principaux : le bien, avec des chansons festives et personnelles qui génèrent une atmosphère de célébration ; et le mal, avec des chansons marquées par la critique de l’injustice et de l’inégalité sociale, amplifiant encore plus le discours que Trueno avait montré dans son premier album, Atrevido. Bien o mal est, avant tout, une lettre d’amour à l’Amérique latine, à la fierté d’appartenir à cette terre et d’être argentin. Les collaborations avec Nathy Peluso, Víctor Heredia, Duki et Pedro Peligro, ajoutées aux clins d’œil et aux samples qui parcourent l’album, font de l’expérience d’écoute de Bien o mal un voyage à travers différents lieux et différents sons, où ne manquent pas le funk, le folklore ou la trap, toujours accompagnés de barres piquantes et hérissées.
Bohemian Groove
« Ce n’est plus du trash, maintenant c’est de la finesse ». La pierre angulaire de ce premier album se trouve dans le titre que Muerejoven a sorti début 2021 en collaboration avec Evar. Comme Dillom, son complice et conjoint dans le Rip Gang, Nicolás Exequiel de Lorenzo a effectué un virage interne pour trouver une nouvelle peau et surmonter la dispersion de la logique du célibat. Terms & Conditions, c’est du mumble rap dans la bouche de son seul représentant porteño : un voyou séduisant, qui lance des boules puantes sur l’establishment du trap avec les rimes d’un passif-agressif endormi, encore à l’abri des lumières de la célébrité, et qui ose être incorrect sur la politique du sexe et du désir. De l’esthétique autotune blure de son son 2019 et 2020, Muerejoven est arrivé à ce style vocal marmonnant, presque abattu, qui compacte les mots et les cache comme un confesseur repentant.
Indépendant
Parcialmente nublado cherche à donner un nom à un état d’esprit, à une atmosphère générale d’incertitude et d’absence de définition, mais aussi d’abandon aveugle face à un présent qui semble tantôt en pause, tantôt sur le point d’exploser. Dans les chansons de Miguel Canevari, la tristesse envahit les soirées et les protagonistes semblent être arrêtés à un carrefour, contemplant ce qu’ils veulent mais ne peuvent pas ou ne comprennent pas. Sur le plan sonore, la proposition est légère, pop et en même temps teintée d’airs folk et trap. L’autotune coexiste avec des bongos, une grosse caisse, des pianos et des guitares ; une recherche qui trouve son identité dans le mélange.
Indépendant
Après avoir chanté En el cielo (2022), Juan Lopez est redescendu sur terre sur des ailes de papillon pour révéler le poids de sa polyvalence. Avec une approche fraîche qui refuse les étiquettes, l’artiste cordouan affiche un large éventail de genres allant du reggaeton, du funk carioca et du drill à la pop, au rock alternatif et au R&B. No más promesas est un album effusif dans lequel la fusion rythmique est essentielle pour montrer que le pigeonnage est aussi obsolète que le conformisme esthétique. Son éloquence prend force à travers les contrastes – sonores et émotionnels – dans une formule musicale garantie pour élever l’humeur quand il le faut. Et quand ce n’est pas le cas, elle le maintient simplement à un niveau élevé et provoque une sensation soudaine à l’écoute de chansons comme « No Other Way », « Untitled » et « JahJahJah ». No More Promises parvient à capturer le sillage d’une étoile filante dans le but d’embellir ces vestiges qui brillent chaque nuit avant de disparaître.
Six ans après la sortie de Remember Us to Life – et avec une pandémie entre les deux – Regina Spektor a sorti son huitième album studio. Dans Home, Before and After, l’excellente chanteuse et pianiste fusionne le meilleur de ses premiers travaux avec un son mature, ambitieux et sophistiqué, et démontre une fois de plus pourquoi elle est l’une des meilleures conteuses d’aujourd’hui. Dans ses 10 chansons, les morceaux de piano si caractéristiques de Spektor (« Raindrops » et « Loveology », deux titres du début des années 2000 qui n’ont trouvé leur place que maintenant), coexistent avec des arrangements orchestraux (« Becoming All Alone », « Spacetime Fairytaile »), des programmations (« Up the Mountain »), du soft rock (« One Man’s Prayer ») et des mélodies accrocheuses (« Sugar Man »). Un album dans lequel Regina réfléchit à des thèmes tels que le temps, l’espace, l’amour et la perte avec la douceur, l’humour, la créativité et l’émotion qui la caractérisent.
Indépendant
Neuf chansons seulement ont suffi à Los Subtítulos pour façonner un premier album qui était sur les lèvres de tous les amateurs de rock alternatif. Les débuts de cette sorte de supergroupe indie argentin formé par le guitariste Manuel Larisgoitia et le claviériste Ignacio Kater de Tobogán Andaluz, Pedro Chalen de Mateo de la Luna à la batterie et Juan Pablo Mareco de Pyramides à la basse et aux synthétiseurs, sonnent de manière cohérente et crédible comme un ensemble de chansons aux mélodies bien construites avec une saveur mélancolique, Des guitares qui puisent directement dans la scène alternative des années 90 et des paroles profondes et pessimistes (« El futuro se olvidó de mí » peut-on entendre chanter dans l’un de leurs refrains les plus réussis ou « Si ya estás muerto, amigo, tanto como yo » dans un autre) qui ne passent pas inaperçues. Avec un album surprenant de chansons courtes et douces-amères, Los Subtítulos recherchent à leur manière la perfection de la pop mélancolique et, à plusieurs moments, ils semblent y parvenir.
Ces dernières années, nous avons vu comment le courant dominant mondial a donné à la musique latino-américaine et hispanophone une place sur ses podiums, un espace qui a rapidement menacé d’homogénéiser le discours sur ce que signifie être Latinx et comment leur musique devrait sonner. Il revenait à Lucrecia Dalt, une artiste colombienne basée à Berlin, de démontrer à quel point l’aventure de la création musicale en utilisant l’héritage latino-américain comme matière première peut être complexe et infinie. ¡Ay ! est une œuvre difficilement comparable, un voyage émotif et futuriste à travers les extrêmes les plus fantastiques du boléro, de la salsa et du merengue, raconté du point de vue d’une extraterrestre appelée Preta. S’éloignant de l’electronica sombre et abstraite qui lui avait valu d’être reconnu sur la scène de la musique expérimentale, Dalt revient à ses origines pour étendre ses frontières vers l’intérieur.
Yuukii Records
Avec une empreinte kaléidoscopique, le duo argentin mené par Furio et Garoto 3000 remarque son penchant avant-gardiste orbital en combinant des éclairs de hip hop, de dancehall, de reggaeton, de house et d’hyperpop dans une élégie fluorescente à la nuit. Misant plus que jamais sur la méthode cathartique de la transe et sur le jeu vocal dynamique qui en rehausse la pulsation dansante, le suiveur de Vs (2018) propose d’extérioriser une succession d’intensités et de contingences dans une cadence quasi épistolaire à travers un semblant ancré dans l’imaginaire traditionnel et la scène musicale contemporaine des clubs. Il y a une tonalité moins affligée et sa poétique débridée a la furtivité comme protagoniste d’une perturbation émotionnelle. Dans son format conceptuel, 7 canciones antes de que nos corten la luz serait une excuse pour capturer la fugacité des désincarnés entre euphorie et déconsolation, un référentiel des instants qui passent, une machinerie pop futuriste pour âmes sensibles.
Secrètement canadien
L’insignifiance est inhalée chaque jour et nous empoisonne jusqu’à ce que nous disparaissions. Nous devons communiquer quelque chose, exprimer ce que nous pensons, car si nous ne le faisons pas, qui sommes-nous ? Les Yeah Yeah Yeahs ont passé presque dix ans sans se faire remarquer – depuis leur dernier album, Mosquito de 2013 – et ils reviennent aujourd’hui pour nous montrer que l’immédiateté des réseaux et nos courtes durées d’attention ne sont pas des ennemis quand ce que nous voulons faire est quelque chose de mémorable, quelque chose qui dure dans le temps et dont on se souviendra. Chaque seconde de Cool It Down nous plonge dans une réalité qui semble plus grande que la vie, où il n’y a pas de filtres et où le présent n’est pas dispersé dans le passé ou le futur. Où nous pouvons ressentir profondément et nous tenir sans crainte devant l’océan pour découvrir qui nous sommes derrière le masque que nous portons chaque jour.
Discos Fuego Amigo
Dans son huitième album studio, Iñaki Zubieta, originaire de Corrientes, en Argentine, continue d’étendre l’univers sonore de son projet Guazuncho. Compost est un album de maturation qui redouble le pari de son surprenant précédent album, Bordes (2020), dans lequel il avait fait un grand bond en avant en tant que producteur. Tout au long des dix chansons qui le composent, Zubieta se réconcilie avec de vieux amis, sample le percussionniste folklorique Domingo Cura, se dissout dans les atmosphères psychédéliques de la côte et prodigue de sages conseils spinettes à son fils : « Écoute la terre, c’est la vraie soif ». Le résultat est son meilleur album depuis son déjà classique Natsuki (2013), le juste équilibre entre des mélodies fortes, une production innovante et l’affirmation de son unique songbook électronique.
The Light Years Records
Le monde attend cet album depuis que Lucas Martí a entamé sa série imbattable de singles il y a deux ans avec « La memoria de un beso » et plus tard « Basta de Berlín », entre autres sorties accompagnées de vidéos musicales hilarantes. Et pourtant, La memoria de un kissno ne ressemble pas à une simple compilation, mais plutôt à l’un des albums les plus pointus d’une discographie sinueuse guidée par l’expérimentation de l’auteur et la confiance dans le format de la chanson. Tout au long de ses dix chansons, l’auteur-compositeur-interprète de Buenos Aires garde intacts son humour et son approche presque artisanale des mélodies, créant une œuvre qui relève autant de l’observation sociale que du cœur et de l’introspection.
Indépendant
Après avoir fait partie du mythique combo krautrock local Go-Neko ! », José Peta D’Agostino a donné le coup d’envoi de son projet solo Ex-Colorado avec le premier album Siete mares (2017), où il a assumé tous les rôles et toutes les tâches nécessaires à l’album et à ses chansons. Après une série de singles en avant-première, où il anticipait le son et le concept artistique à venir, en février de cette année a enfin vu la lumière du jour En lo bueno del tiempo y las decisiones, un album pour lequel il s’est adjoint un groupe de musiciens dévoués avec lesquels il a travaillé sur ses créations, et qui transparaît dans la douce force et l’élan inévitable de cette œuvre. Peta et ses compagnons utilisent un alliage sensible de synthwave, de krautrock et de dream pop – une fusion qu’il appelle « dreamykraut » – pour réfléchir sur la mélancolie et la résilience. Un album pour être ému, pour danser, pour se souvenir sans cesse d’avancer et pour chanter avec ferveur.
Ninja Tune
Dans un courant dominant mondialisé et esthétiquement homogénéisé, la quête de Black Country, New Road semble se concentrer sur la récupération et l’actualisation de racines rock préhistoriques allant du jazz à la pop de chambre plus contemporaine des années 90. Le style crooner d’Isaac Wood a des antécédents récents dans Jarvis Cocker de Pulp ou Neil Hannon de The Divine Comedy et historiques dans des artistes tels que Jacques Brel ou Burt Bacharach. Le jeu de nostalgie et de musicalité du groupe anglais est sous-tendu par une exploration sonore qui va de la pop baroque à l’épopée historique du songbook pop britannique. Des chansons telles que « Concorde », « Good Will Hunting » ou « Chaos Space Marine » (qui semble faire référence à « Still Ill » des Smiths), reflètent l’atmosphère mélancolique et le besoin de s’exiler par l’art face au présent sauvage de l’entreprise et de la culture qui balaie le monde. En fait, quelques semaines après la sortie de cet album, Wood a quitté le groupe en raison de graves problèmes de dépression mentale, un phénomène qui touche aujourd’hui une grande partie de la jeunesse anglaise de moins de trente ans. Ants From Up There est un album qui nous invite à continuer de concevoir la musique comme un moyen d’élever l’imaginaire et qui fonctionne en même temps comme une œuvre de résistance culturelle face au présent opaque de la culture populaire.
pgLang / Top Dawg Entertainment / Aftermath / Interscope
Mr. Morale & The Big Steppers est une noble déclaration de principes : que la réalité, ces pieds profondément dans la boue, sont parfaitement assortis à la virtuosité. Une œuvre composée de dix-huit chansons dans laquelle le dialogue entre la soul, le gospel, le R&B, le jazz et le funk génère une multiplication infinie des frontières sonores qui repose sur l’essence de la Black Music. Conformément au mandat historique, la voix est l’instrument le plus polyvalent et le plus puissant. De grands changements de ton et de rythme, ancrés dans une capacité qui est presque impossible à égaler à notre époque.
Discothèques de Geiser
Tout au long de Una vez más, il y a un sentiment de reconstruction – d’un lien, du monde, de soi-même – et une confiance aveugle dans la chanson pop comme remède. Depuis que Valdes a fait irruption sur la scène argentine il y a six ans, le postulat était clair : sa mission est de faire de la musique sur laquelle on peut danser. N’importe où et n’importe comment, mais pour danser – le premier titre de son premier album est le tube imbattable « Bailar sola ». Au fil des années et des albums, le duo Cordovan a progressivement huilé son moteur pop sans perdre de vue cette mission, qui gagne en force dans leurs célèbres concerts. Après le pandémique Postal (2020), dans lequel ils ont expérimenté la fusion des rythmes latino-américains, sur leur quatrième album, Valdes revient aux bases house avec lesquelles ils se sont fait connaître, cette fois avec plus d’instruments et une production exceptionnelle -Bernardo Ferrón de Telescopios montre une fois de plus ses références derrière la console- qui aboutit à leur meilleur album à ce jour.
Indépendant
Mysticisme et nostalgie se conjuguent parfaitement dans Wish Wish, le nouvel album de Weste. Le duo pop expérimental composé de l’artiste patagonienne Clara Trucco et du producteur de Montevideo Ignacio Pérez déploie une proposition subjuguante avec une forte présence orchestrale et une approche kaléidoscopique des genres musicaux. Le projet déploie ses racines et nous emmène dans une vallée enchantée qui mêle des éléments de funk, de hip-hop lo-fi, de minimalisme, de jazz, de soul, de pop carioca et de ballade, n’ayant pas honte des contrastes dans le but d’exploiter l’impact sonore inhérent à la progression de son histoire. Un autre point fort est sa vertu lyrique, capable de combiner les misères du monde, la fragilité subjective et les fantasmes idylliques dans un même soliloque plein de sensations et de métaphores. S’immerger dans l’univers intérieur dévoilé par sa poétique nous oblige à flotter contre vents et marées afin de trouver la sérénité intrinsèque de Wish Wish. À partir du point de départ, divers microclimats convergent dans une exploration tribale alors que Weste s’ancre dans les énigmes insondables de l’être.
L’été mexicain
Des villes construites sur une rage monumentale, dit la chanson titre du sixième album de Cate Le Bon. Pompéi fait allusion à la ville romaine dévastée par l’éruption du Vésuve en 79, mais il évoque aussi la méthode de l’auteur-compositeur-interprète d’origine galloise. L’album, sorti sur le label new-yorkais Mexican Summer, souligne symboliquement et matériellement sa philosophie : la musique est de la lave, elle brûle et transforme. Chaque chanson a la véhémence d’un volcan, elle ne peut s’arrêter, elle mute, elle voyage, en suivant les chemins habituellement trouvés par la basse et le sax (ou la batterie, dans « Cry Me Old Trouble »). Mais, quelque chose se passe lorsque Cate apparaît. Qu’elle soit visible ou latente, unique ou dépliée, qu’elle fasse un clin d’œil à Bowie ou à Björk, sa voix est une collection de points minuscules qui, vus de loin, finissent par former une seule image pointilliste.
El club de los nostálgicos est un album moulé dans un son complètement différent des œuvres précédentes de Las Sombras, conditionné par le fourmillement insistant de se projeter dans des lieux nouveaux, jusqu’alors inexpérimentés. Le changement est substantiel et palpable. Le caractère austère du groupe de Pampa est désormais rejoint par des synthétiseurs et des percussions qui se marient parfaitement avec le format classique des guitares, de la basse et de la batterie. La fumée de cigarette des précédents LP semble se dissiper, laissant entrevoir des couleurs stridentes, des mélodies rieuses et l’influence des groupes nationaux des années 80. Un autre aspect qui a évolué et s’est transformé est la narration et la manière que le groupe a trouvé pour raconter l’histoire derrière chaque chanson. Si dans les premiers albums, ils étaient de jeunes banlieusards perdus dans les silhouettes de la ville, débitant leurs expériences au son de riffs accrocheurs, ils utilisent désormais le sentiment de nostalgie et la puissance de la chanson comme un moyen essentiel de transmettre des émotions. Une poésie tango qui baigne dans la mélancolie et chante des temps meilleurs.
Parrainer Dieu
Ysy A fait partie de ces artistes qui sont capables de se transformer constamment sans perdre leur essence. Année après année, le 11 novembre est devenu un véritable événement au cours duquel se révèle la nouvelle facette artistique de l’un des derniers alchimistes sonores de notre musique. Et 2022 l’a trouvé alliant nostalgie, innovation et expérimentation : Ysysmo est une œuvre éclectique et complète qui condense toutes les étapes d’Ysy A et ouvre la porte à de nouveaux horizons sonores. Les 12 chansons d’Ysysmo sont un mélange de trap classique, d’hommage à nos racines culturelles et de profonde introspection. Un beau travail de production qui alterne entre obscurité, célébration et lysergie. La clôture se fait avec deux questions simples à répondre : Un étage de plus ? Sans aucun doute, la barre continue d’être relevée. Qui est piégé ? Ysy A.
XO / République
Notre culture est obsédée par son passé. Nous avons tendance à penser à ce que ce serait de vivre dans le passé, mais nous n’avons pas besoin d’une machine à remonter le temps pour le faire lorsque nous avons des artistes qui l’apportent dans notre réalité d’une manière aussi iconique que The Weeknd. Avec After Hours, son précédent album de 2020, l’artiste canadien s’est transcendé et s’est cimenté en tant qu’icône pop, celui qui ne se laisse pas emporter par ce que font ses pairs, mais crée son propre chemin, une mission qui est réaffirmée avec l’arrivée de Dawn FM. C’est une œuvre qui capte la façon dont la mort nous effraie, nous pouvons à peine l’envisager comme une idée, car nous sommes tellement concentrés et préoccupés par nos problèmes, par les choses que nous faisons et ne faisons pas, que nous ne réalisons pas qu’en fin de compte, tous ces soucis ne servent à rien, mais que nous devons laisser être et grandir. Comme le dit Jim Carrey vers la fin, nous devons démêler notre esprit et l’entraîner à s’aligner, à danser jusqu’à ce que nous trouvions ce boogaloo divin.
« Aucune obscurité ne dure éternellement. Et même là, il y a des étoiles », a écrit Ursula K. Leguin. Dans son nouvel album, Natalie Mering semble prendre cette phrase comme prémisse pour composer la bande sonore d’une liturgie pour des paroissiens au bord du désespoir. Deux ans après l’arrivée de la pandémie et en plein milieu de la crise environnementale actuelle, l’artiste californien livre dix ballades enivrantes qui offrent une profonde introspection avec de subtiles lueurs d’optimisme. Sur le plan sonore, les arrangements semi-orchestraux et les échantillons de sons de la nature ajoutent une touche expérimentale à cette œuvre. Leurs paroles traitent avec éloquence de l’amour et de la solitude dans la post-modernité ; et en même temps, ils plongent profondément dans le monde spirituel en parlant des âmes sœurs, du mythe de narcisse, et de la lutte pour une autre chance pour l’humanité.
L’accueil critique et le succès commercial monstrueux obtenus par Un verano sin ti peuvent nous faire oublier que derrière cet accueil enthousiaste, uniforme et généralisé se cache un album complexe, stimulant et paradoxal. Si le public s’attendait à une succession de slams dansants macérés dans le dembow, ce que cet album a apporté est un kaléidoscope stylistique allant du merengue à la bossa nova, et si cette variété pourrait insinuer, en principe, un condensé de la musique latino-américaine, l’influence de divers genres d’origine anglo-saxonne tels que la house, la trap et la synth pop révèle une ambition fondamentalement mondiale. On dit de A Summer Without You qu’il va changer la donne, en amenant le « latin » à l’épicentre de la pop internationale. Cependant, la latinidad de Bad Bunny échappe aux clichés avec lesquels cette identité est souvent cataloguée – un été dans les Caraïbes a-t-il jamais sonné aussi mélancolique que le morceau titre ? En bref, avec cet album – son magnum opus – Bad Bunny a élargi et transformé le concept de « latin urbain » pour un public mondial, conquérant ainsi le monde.
Indépendant
Dans leur nouvel album, El Big Blue, les Bandalos Chinos sont déterminés à retourner à leurs racines, à revenir à leur point de départ, mais avec les ressources qu’ils ont acquises ces dernières années. Tout est pensé sous l’angle des propositions et des blagues internes, mais aussi d’une introspection après tant de solitude collective qui infiltre la musique. Par-dessus tout, Big Blue est une porte ouverte. L’humour n’a pas été perdu, ni la romance, mais l’ouverture de tant d’émotions, certaines pouvant même être accablantes, permet au groupe de Beccar d’approfondir ses sentiments, ses craintes et la mélancolie engendrée par tant d’enfermement pendant si longtemps.
Année 0001
Menés par le chanteur américain Sebastian Murphy, basé à Stockholm, les Viagra Boys ont connu une ascension inhabituelle dans l’industrie musicale grâce à leur post punk ironique, strident et dense, et à un engagement énorme dans leurs concerts. Il plane autour des douze chansons qui composent leur troisième album un air apocalyptique et ironique sur la société de consommation, les modèles sociaux imposés et les accès de violence des gens. Dans des chansons comme le single « Troglodyte », le groupe raconte l’histoire d’une personne qui fantasme sur le fait de tirer un jour sur ses collègues de travail, en référence directe au présent violent des États-Unis.
Bohemian Groove
Pour sortir Eclips3, le jour de son 22e anniversaire, Saramalacara n’a pas sorti un QR code, ni imaginé un NFT, mais quelque chose de totalement anachronique : une page web à laquelle vous accédez depuis votre PC. 333 hyperliens parcourent son éducation sentimentale, à la manière d’un deepweb propre à l’esthétique du premier internet, lorsqu’il se révélait comme un monde mystérieux, plus sauvage, qui apparaît aujourd’hui comme un paradis perdu dans l’ad-block. Dans les chansons de la jeune Sara, on peut vraiment ressentir la texture de l’internet. C’est-à-dire qu’elle fait partie d’une génération qui vit dans un temps liminal, où tous les temps sont du temps. Où se mêlent le malaise des années 90 et l’attirail du bogue de l’an 2000, la chiptune et le hip-hop, l’esthétique des anime et des VHS, un toit du Grand Buenos Aires et l’architecture de la Sagrada Familia de Barcelone (qui est la couverture de l’album et qui est tatouée sur sa jambe). Sara est aussi la rappeuse originale et existentialiste que nous attendions : elle n’a pas besoin de déclamation pour synthétiser un certain mécontentement collectif de l’époque ; il se cristallise dans son déchirement permanent. Elle est la fille cool qui assemble un rubik’s cube tout en parlant de ses chansons, celle qui a aussi compris que parler de baskets chères dans un monde en voie de désintégration nécessite, au minimum, un sens de l’humour.
Lorsque vous regardez le peuple, que voyez-vous ? Que trouvez-vous ? Comment le trouvez-vous ? Que faites-vous avec lui ? Intervenez-vous, interagissez, laissez-le faire ? À quelle conclusion arrivons-nous pour libérer le corps céleste ? Si le groupe Big Thief se concentre sur quelque chose, c’est sur la possibilité d’apprendre, de la manière la plus intense possible, à vivre dans le flot de tant d’informations et de désespoir. Ils cherchent et cherchent, et ils trouvent quelque chose. Ici, cependant, il y a un saut, et un saut prononcé. Auparavant, leurs jeux avec la country et l’americana n’étaient que cela : des jeux. Sur cet album de 20 chansons, qui atteint les 80 minutes, les incursions dans différents genres sont plus prononcées et supportables. L’album a été produit par le batteur du groupe, James Krivchenia, et l’accent mis sur l’instrumentation qui accompagne les compositions d’Adrianne Lenker est essentiel et place Big Thief bien au-dessus de ses contemporains. Il y a un design sonore étrange, voire original, qui élargit le palais musical du groupe.
Sonido Muchacho / Universal Music Espagne
Depuis quelque temps, la pop espagnole prend d’assaut le pays (Las Bistecs, La Casa Azul, Doble Pletina pour ne citer que quelques groupes) et les Cariño ne sont pas en reste. Après leur premier album en 2018 et plusieurs singles à succès -comme leur reprise de « Llorando en la limo » de C. Tangana-, ils ont présenté cette année leur album éponyme. Le trio a doublé Movidas avec une demi-heure de chansons hilarantes dans lesquelles ils tâtonnent dans le domaine des synthétiseurs et des bases rythmiques qui donnent libre cours à la chanson sur l’amour à l’heure du ghosting, de l’astrologie et des réseaux sociaux. Certaines chansons ont leur clip vidéo sous la forme d’une histoire racontée en plusieurs parties, « No me convengo » et « Si quieres », qui sont définitivement les nouveaux hymnes romantiques de cette époque.
Avec un pied dans le meilleur indie des années 90 et un autre dans la scène new-yorkaise de 2000, ces Anglaises ont sorti un album qui, bien que rempli de références au passé, parvient à sonner de manière rafraîchissante grâce à ses guitares directes et ses mélodies instantanées. Le premier album de Wet Leg est un exercice de rock indé avec des refrains accrocheurs et un goût d’adolescent. Parmi ses douze chansons, il y a quelques moments vraiment forts comme le clin d’œil Britpop de « I Don’t Wanna Go Out », la ballade « Loving You » ou le post punk énervé aux B-52’s de « Angelica ». Le duo a donné forme à un album qui, même en foulant un sol déjà foulé par le rock, parvient, grâce à de bonnes chansons et à une certaine attitude irrévérencieuse, à découvrir de nouveaux paysages pour une scène trop ancrée dans son passé.
Dale Play Records
Obstination, performance et sensualité sont des signifiants qui renforcent la ligne débordante de Six Sex, l’une des références argentines du néo-opéra. Tout au long de l’année 2021, l’artiste d’une vingtaine d’années a sorti une trilogie de singles qui s’aventurent dans le reggaeton, le RKT et la cumbia après être passés par son côté raver et électropop. Au début de cette année, l’alter ego incarné par Francisca Cuello a réuni ces dernières sorties – « Duro », « Culeo » et « Sunshine » – pour compléter le répertoire qui a déclenché Área 69, ainsi que trois autres titres inédits. Produits par La Finesse, les six morceaux qui composent l’EP qui succède à Fantasy (2019) cristallisent son tempérament effervescent après avoir fusionné l’érotisme, l’ironie et l’autonomisation à travers des paroles hérissées – et en même temps mignonnes – qui se réjouissent vers l’éruption glamour et électrisante de la « surchauffe dans la zone 69 ».
Atlantique
Au cours des années 2010, des centaines d’artistes ont tenté de nous conquérir. Mais rares sont ceux qui ont réussi à rester et à s’imposer sur la scène, en nous surprenant constamment et en nous montrant leur côté le plus authentique à chaque album. Charli XCX en fait partie. Depuis sa collaboration avec Iggy Azalea, « Fancy », son image s’est transformée en celle d’une femme qui brise constamment les règles de la pop et n’a peur de rien. Crash est la clôture d’un cycle immergé dans les références automobiles qui a commencé avec Vroom Vroom, sa première collaboration avec la productrice Sophie, qui l’a rapprochée du son et de l’esthétique hyperpop qu’elle domine désormais.
Un petit indépendant
La conclusion de l’arc de rupture et de récupération qui a caractérisé l’œuvre la plus récente de Björk a laissé à portée de main une question qui, jusqu’à la sortie de Fossora il y a quelques semaines, était valable depuis cinq ans : Que compte-t-elle nous surprendre ensuite ? La réponse est là, et Fossora est, selon les mots de Björk, son « album champignon », une réponse à l’idéalisme d’Utopia et au nihilisme de Vulnicura, dans un juste milieu plus pragmatique et terre-à-terre. Son titre, qui signifie « creuseur », fait allusion à la pandémie de covacha qui a caractérisé ces dernières années et dont Björk a cherché à saisir l’enracinement, à travers des lignes de basse perçantes, un sextuor de clarinettes et les multiples éclats de gabber du duo indonésien GMO. Mais par-dessus tout, Fossora est l’album dans lequel Björk s’assume comme matriarche, au sens propre comme au figuré.
Discothèques Popart
El valle encantado est un album conceptuel qui, au milieu des nuances folkloriques, des silences, des chuchotements et des pulsations de la nature, raconte la quête inlassable de Feli Colina pour trouver la figure qu’elle appelle la Muse, ou la Mère, au milieu d’un creuset de prose qui évoque la manifestation de cette inspiration. Aucune chanson n’y ressemble à l’autre, mais elles font plutôt partie d’un récit intime et courageux qui n’a pas besoin d’étiquettes, mais dans son identité – là où se trouve l’essence -, il lui est impossible d’échapper au brio nordique.
Indépendant
Lorsqu’elle a sorti La hija del loco (2009), son premier album, la rappeuse a dû brûler une vision à long terme à travers des dénonciations hybrides afin que sa résistance ne soit pas prise pour de la résilience. Cependant, son dernier album renouvelle son évocation contestataire pour étendre sa poétique aux situations du quotidien. Sara Hebe reconnaît que l’amour, le sexe et le plaisir sont également interrompus par les mensonges, le sectarisme et la corruption. Sucia estrella montre une version plus fraîche de Hebe, sans perdre la grâce, la puissance ou le style. En tout cas, sa recherche semble infinie : de la trap, de la pop et du punk à la house, la techno, l’hyperpop et le dancehall, la rappeuse patagonienne fait de l’expérimentation sonore la bannière de sa proposition esthétique. Son cinquième album est une démonstration féroce d’exigence, dans laquelle son habileté et sa ténacité racontent le calme d’un éternel éveil pluripolitique et contreculturel.
(en anglais)
Nous cherchons sans cesse des significations, des raisons et des motifs pour que ce que nous appelons « la vie » ait des pieds et une tête. Pour que nous n’ayons pas l’impression que les mauvaises choses qui n’arrivent pas sont le fruit du hasard, mais qu’elles nous préparent à quelque chose de plus grand. Dans Once Twice Melody, Beach House s’inspire de l’expérience de la terre comme d’une obscurité qui cache des mystères, des couleurs et des histoires. Once Twice Melody est le premier album entièrement produit par Alex Scally et Victoria Legrand, les membres du groupe, depuis qu’ils ont commencé à travailler avec le producteur Chris Coady sur Devotion (2008). Mais ce n’est pas tout : il s’agit d’un double album qui comporte quatre parties – ou « chapitres », comme ils l’appellent – avec près d’une heure et demie de matériel musical. Il n’est pas facile à créer ou à traiter en raison de la lourdeur de son esthétique sombre. Le projet est une porte qui s’ouvre sur des pièces qui mènent à leur tour à des milliers d’autres couloirs.
(La fin du monde – La ville que nous avons quittée)
Anomalía Ediciones
Dès la pochette de leur nouvel EP, on voit que le paysage change pour Fin del Mundo. La nature – qu’ils contemplaient paisiblement dans leurs débuts éponymes en 2020 – s’impose et réclame ce qui leur appartient au milieu d’un paysage urbain dévasté. L’envie d’évasion est une fois de plus le moteur du groupe patagonien basé à Buenos Aires : les références aux voyages et aux paysages naturels sont constantes sur La ciudad que dejamos, tandis que les arrangements penchent davantage vers le shoegaze. Il y a des clins d’œil à l’emo (le refrain de « El próximo verano » !) et un nouvel hommage à Pizarnik (les paroles de « Hacia los bosques » sont tirées du poème « Vida »). Si la transformation ne s’arrête pas, les Fin del Mundo sont les premiers à dire qu’ils vont partir.
Indépendant
C’est un besoin urgent de transformation qui mobilise Islas Mujeres au moment où elle entre dans les profondeurs de son troisième album. Correr adentro affiche un style irisé qui combine des éléments de différents genres musicaux pour éclipser toute forme de pigeonisation capable de déformer l’arôme de la liberté la plus ludique, précieuse et insurrectionnelle. Le trio de La Plata parvient à élargir les horizons par le biais de confluences sonores et poétiques qui imitent la diversification de leur proposition esthétique. Entre extase et placidité, se condensent les clairs-obscurs d’une recherche collective, d’un travail constant et de ces sensations inhérentes au concept de l’album.
Parkwood Entertainment / Columbia
« Je suis l’une d’entre elles/ Je suis la numéro un/ Je suis la seule », chante Beyoncé sur « Alien Superstar », et nous savons que nous la croyons. La reine de la scène nous a encore une fois offert un album incroyable. Avec un mélange éclectique de house, de pop et de R&B, sa marque de fabrique, elle a ajouté cette fois le désir de célébrer la musique de danse noire des dernières décennies. Rendant hommage à ceux qui ont bouleversé la scène queer et afro-américaine (Grace Jones elle-même y chante !), cet album a battu le record de tous les temps en étant nommé dans neuf catégories pour les prochains Grammys. Et Queen B a ce qu’il faut. Bien que nous ayons dû attendre six ans pour pouvoir profiter de tous ces rythmes, cette attente devenue renaissance en valait la peine.
Discos Casa del Puente
Buenos Vampiros nous entraîne dans une atmosphère crépusculaire, aussi lugubre que stridente, qui déborde toute forme de pigeonisation esthétique. Destruya ! fleurit surchargé d’émotions viscérales, secoue le corps jusqu’au bord de la tachycardie, et ombrage des paysages oniriques à la recherche d’une certaine rédemption de l’âme. Avec toute l’effervescence d’extérioriser le flot des sensations entre crudité et nostalgie, le groupe de Mar del Plata parvient à condescendre des larmes de rage et de tristesse dans la tempête d’un maelström sonore. Inspiré par le mouvement riot grrrl, Destruya ! est une ode au présent qui, en maintenant le même degré d’intensité, adopte la cyclothymie des vagues après avoir déchaîné le chaos et crié des fables pendant plus de vingt minutes électrisantes.
Polyvinyle / Transgressif
Plus qu’un voyage dans le passé, le troisième album du groupe canadien pourrait être une uchronie : un regard sur un présent parallèle où nous avons pris d’autres décisions qui nous ont conduits à des endroits différents. Molly Rankin raconte des histoires inspirées des paysages côtiers du Cap-Breton comme si elle n’avait jamais quitté l’île où elle a grandi, dépeignant la crise existentielle d’une génération qui traverse la seconde moitié de la trentaine. Avec des chansons courtes qui passent par différentes humeurs, des ponts cathartiques qui modifient le sens de chaque morceau, des guitares de plus en plus proches du shoegaze et un trémolo en main, Alvvays prouve qu’il peut continuer à explorer des sons familiers sans trop s’éloigner des origines. C’est toujours la musique qu’ils aiment le plus écouter et jouer en direct, et c’est ce qui compte.
Musique Pelo
Brut, provocant, et avec une empreinte rock incontournable, c’est le quatrième album studio de Marilina Bertoldi. Si Prender un fuego – son album de 2019 qui lui a valu le prix Gardel de Oro – était une déclaration rageuse marquée par le funk et la soul, Mojigata est un album plus austère dans le meilleur des sens, représenté par le rock and roll des années 70, fidèle aux influences de l’artiste. Des riffs de guitare distordus et une batterie lourde impriment la sonorité de l’album, tandis qu’une ballade confessionnelle avec Javiera Mena, « Amuleto », se glisse entre les deux. Conceptuellement, l’album est une exorcisation des crises passées et présentes, le passé étant un moteur de création et de libération. C’est aussi un espace de loisirs et d’amusement, où apparaissent les plaisanteries et la séduction naturelle. Un pas plus que ferme pour le nouveau représentant du rock argentin.
Discothèques Popart
Dans leur premier album depuis 2018, les Babasónicos semblent livrer dans cette collection de chansons leurs réflexions, impressions et apprentissages sur une époque où la vie de l’humanité entière a radicalement changé et où la fin du monde a été vécue plus proche que jamais. Quatre ans qui ont ressemblé à dix. Trinchera est un album qui, dès son titre, s’interroge sur la mort. Pas de coups bas, pas de sentimentalisme, juste une prise en charge. Babasónicos continue de vénérer l’évasion et la fuite, mais plus que jamais comme une soupape de sécurité, pleinement conscient que l’évasion est une nécessité fondamentale pour rendre l’existence supportable dans un monde sordide et douloureux comme celui dans lequel nous vivons.
The Smile’s A Light For Attracting Attention est une rencontre transcendantale entre Thom Yorke et Jonny Greenwood en parallèle à Radiohead, aux côtés de Tom Skinner, batteur des légendes britanniques de jazz fusion Sons of Kemet. Le trio libère sa soif d’expérimentation et embrasse un large éventail de genres avec des guitares au premier plan, du math et post rock au post punk, créant des textures psychédéliques et quelques riffs plus finement exécutés. Bien sûr, sans laisser de côté leur côté électronique et leur talent pour créer des atmosphères immersives grâce à l’utilisation saisissante des synthétiseurs et de la programmation. Comme une bouffée d’air frais, The Smile nous rappelle pourquoi Yorke est devenu le plus grand auteur-compositeur-interprète de mélodies profondes et existentialistes de sa génération.
Indépendant
Dans son cinquième album, Javiera Mena maintient un lien avec ses albums précédents, mais c’est à partir des images que ses paroles provoquent que l’artiste chilienne encourage une recherche plus audacieuse. Dans Nocturna, il y a de l’érotisme, du romantisme et un appel au sexe-affectif, mais qui joue aussi avec le politique dans l’affection. L’ambiance des rencontres festives se poursuit, dans le bar et dans la discothèque, mais avec cet autre pouvoir comme protagoniste. Déjà avec son premier titre, « La Isla de Lesbos », il appelle à cet érotisme du point de vue lesbien, pour permettre ensuite à chaque auditeur de rester sur cette même île ou d’aller sur une autre. Mais sans jamais abandonner la sensualité, l’amour et la remise en question des relations. « Me gustas tú » est une ballade moelleuse qui enveloppe également l’auditeur de la tête aux pieds, tant sur le plan sonore que lyrique. Quelque chose de similaire se produit avec « Eclipse totale », très sentimental mais avec un rythme house. Avec « Sincronización », elle ouvre une autre porte aux liens par la virtualité. De cette manière, la plus grande icône pop chilienne réalise une œuvre très riche, retentissante et suggestive, qui s’exprime parfois innocemment sur le lesbianisme, le sexe, les relations et le fait de tomber amoureux.
Discothèques de Geiser
Il a suffi d’une pandémie pour que Mi Amigo Invencible mette de côté, au moins momentanément, la mélancolie qui était sa bannière et sa carte de visite. Isla de oro est une manifestation d’insouciance, un album moins méticuleux que leurs précédents travaux, au point qu’il a été enregistré en seulement huit jours en studio. Dans cette recherche sonore, la palette de couleurs du groupe de Mendoza devient plus optimiste, avec des mélodies et des rythmes qui complètent une pop rock particulièrement agréable. « La voiture est vieille, mais elle va encore nous emmener, même si je ne sais pas quelle route choisir », dit le groupe dans « La araña ». Ce mélange de conviction et d’incertitude, de doute et d’optimisme, est la plus grande force d’un groupe qui se sent plus invincible que jamais.
Le début en solo de l’ancienne chanteuse de Coral Casino s’empare de nos émotions avec vingt chansons qui montrent à quel point le cœur peut être anarchique face au temps qui passe. Comme auparavant, il déclenche une révolution sensible pour mettre en valeur la véritable Lara Artesi dans les différentes sections et ajouts de son propre journal de confession. « La nostalgie est fondamentalement ce qui me définit, je suis une putain de nostalgique », souligne-t-elle avec une simple modestie dans ce que ses paroles révèlent. Comme la traînée d’une étoile filante, le fil de Como antes brille d’intensité une fois la première écoute passée. Car la première écoute est une pure surprise, tandis que les quelques tours suivants vous invitent à percevoir une fréquence plus élevée où le tout est plus que la somme de ses parties. De « Ego » à « Nube », l’empreinte digitale de Lara reste imprimée sans pour autant diminuer l’élégance et la pureté de son style.
Lolein Music
Sept ans après avoir sorti son dernier album studio, Julieta Venegas revient sur la scène musicale avec Tu historia : un album frais, avec des instrumentaux très présents et un storytelling qui mène à l’introspection. Chacune des dix chansons qui composent l’œuvre agit comme une capsule hermétique où les erreurs, les peurs et les enseignements fusionnent en un seul message. Fidèle à son style, Venegas donne à chacune de ses histoires un son spécial et unique. « Walking alone », par exemple, porte la lourdeur qui mérite la plainte qu’il présente. « Nostalgie » est un voyage dans le passé. Ce sont des chapitres d’une histoire plus vaste et arrondie. Avec sa voix et sa prose incomparables, l’auteur-compositeur-interprète mexicain basé à Buenos Aires réalise un projet solide pour raconter, à travers les étapes et les rêves, sa propre histoire.
Columbia
Après El mal querer (2018), Rosalía a commencé à sortir des collaborations avec pratiquement tous les artistes en vogue sur la scène urbaine. Motomami, son troisième album sorti quatre ans plus tard, est le résultat inévitable d’un tel exercice de prouesses. L’artiste catalane a profité de l’insouciance de la fête pour chanter avec J Balvin, Bad Bunny, Daddy Yankee et Ozuna, entre autres, et les lourds fils conceptuels sur la mort et la maltraitance qu’elle a tissés dans son œuvre solo appartiennent désormais au passé. Disparue aussi, mais pas entièrement, l’influence du flamenco pour faire place aux bases du reggaeton.
Rosalía est maintenant plus d’humeur à s’amuser et à prendre du bon temps. Mais, comme nous parlons d’une grande artiste, cela ne signifie pas qu’elle soit devenue commerciale, simple ou banale. Rien n’est plus éloigné de cela : bien que la production soit assez minimaliste, Motomami est un album énorme, complexe, digne d’une analyse détaillée, comme en témoignent les nombreuses analyses des internautes sur n’importe quelle plateforme, média ou réseau social.
Bien que le reggaeton occupe presque la moitié de l’album, Motomami est présenté et ressenti comme un grand collage qui se nourrit de contrastes et de dualités, chargé de détails qui brisent les règles du genre. Non seulement il y a des contrepoints dans les arrangements et les techniques de production qui font de certains morceaux une sorte de jeu de poupées russes, mais il y a aussi une balançoire émotionnelle très forte, avec une tracklist qui vous invite à faire la fête et à pleurer instantanément, ou les deux en même temps, comme dans le très beau « Candy » (sans parler de la vidéo qui multiplie la mélancolie avec une référence à Lost in Translation, ce grand film de Sofia Coppola). Rosalía continue d’utiliser la ressource consistant à appliquer des filtres sur la base musicale pour mettre en avant sa voix nue et raconter une histoire, dans ce cas celle d’un chagrin d’amour, avec des résultats bouleversants.
La liste des pistes est donc un tourbillon dans tous les sens du terme. Il y a de la bachata aux côtés de The Weeknd, qui chante en espagnol et présente une ressemblance vocale frappante avec Romeo Santos sur « La fama », il y a du flamenco avec des claquements de mains et de l’autotune sur « Bulerías », une version du boléro cubain de Justo Betancourt avec un sample de rap sur « Delirio de grandeza », et plusieurs ballades qui sont toutes dans la même veine, et plusieurs ballades dont « Heitai » se distingue par l’esprit et le sens de l’humour qui consiste à composer une chanson délicate digne d’une bande originale de Disney pour la chanter avec des paroles hyper-sexuelles et vulgaires aux oreilles moralisatrices de quelques-uns. Et vers la fin et sortant de nulle part, la batterie en mode mitraillette pour encore plus de perplexité.
Au-delà des variétés et reformulations stylistiques, Motomami est un collage en termes formels. Seules deux des quinze chansons font plus de quatre minutes et tout se passe très vite. C’est un album moderne, un reflet de cette époque où la consommation culturelle est instantanée et fragmentaire au point que sortir un LP de nos jours a de moins en moins de sens. Les changements d’humeur d’une chanson à l’autre peuvent également être compris comme un miroir de l’instabilité de nos routines dans un monde frénétique difficile à habiter.
Un autre geste moderne est le bombardement de références mondiales aussi dissemblables, à l’intérieur et à l’extérieur du monde de la musique. Cela génère une dispersion encyclopédique qui vous pousse à faire des recherches, à googler pour approfondir, à ouvrir des liens partout (le démbow « La combi Versace » avec Tokischa en est l’épitomé : il n’y a pas de nom dans le monde de la mode actuelle sans le mentionner). Écouter Motomami, c’est comme faire défiler TikTok. Ce n’est pas pour rien qu’il y a un mois, Rosalía a fait une présentation de l’album à travers ce réseau social, une version encore plus concise pour s’adapter aux formats de consommation dominants.
Comme on dit, le court est aussi bon que le double. Malgré cela, il y a des morceaux comme « Saoko », un reggaeton sale qui meurt au bout de deux minutes sans exploser et, surtout, la formidable difformité de « CUUUUuuuuuuute », avec cette base techno sombre et des arrangements de percussions qui alternent entre la samba et -encore- la mitrailleuse, qui peuvent laisser une sacrée poignée à souhaiter une version étendue, voire un remix. Vers le milieu de la chanson, l’apogée agressive est coupée par un pont en mode ballade nostalgique qui réclame des papillons et les fait tomber, résumant ainsi l’esprit de bipolarité émotionnelle de tout l’album. Et au passage, il indique clairement que Rosalía peut faire ce qu’elle veut. Ce talent, qui est aussi une attitude, lui a apporté beaucoup de reconnaissance, mais elle a aussi reçu – et reçoit encore – une partie de la haine la plus virulente. Les lettres eme de la pochette du Motomami forment les ailes d’un papillon et sont installées comme logo. Ces insectes sont présents dans plusieurs paroles dès « Saoko », le premier morceau : « Yo soy muy mía, yo me transformo/ Una mariposa, yo me transformo » (Je suis très mien, je me transforme/ Un papillon, je me transforme). Rosalía se transforme et fait ce qu’elle veut. Et ceux qui sont à l’extérieur sont du même avis.
Aux côtés de Rosalía, une longue liste de producteurs ont mis leur grain de sable dans Motomami : El Guincho, Pharrell Williams, Frank Dukes et The Weeknd, entre autres. Mais c’est elle qui est aux commandes, aucun grand nom n’a éclipsé son empreinte tout au long de l’œuvre et cela montre qu’elle n’est pas un produit commercial marionnette d’un quelconque homme de studio comme beaucoup l’accusent. Avec cette nouvelle production, à force d’audace et de fraîcheur, Rosalía s’élève pour marquer une génération – que ce soit par le tumulte en faveur mais aussi contre – et pour ouvrir le terrain de jeu dans le domaine de la musique populaire moderne, comme l’ont fait autrefois Madonna et Lady Gaga.
Il est préférable de lire un article qui vous présente certaines normes relatives à la pratique de la guitare que de se voir remettre un grand tableau d’accords. Vous ne pouvez comprendre les accords que lorsque vous êtes sur le point de les utiliser. Avant cela, vous devez comprendre ce que sont les notes et leur relation les unes avec les autres.
Vous devez apprendre les gammes et connaître la théorie qui se cache derrière. Vous devez savoir d’où et comment viennent les accords et ensuite comment vous devez les utiliser. Sans avoir une idée de base des gammes et de la relation entre les notes, il est impossible de comprendre les accords et leur utilisation. Dans cet article, nous vous présentons théoriquement une guitare afin que vous puissiez vous aider à comprendre la musique qu’elle fournit. Et que vous puissiez rapidement ressentir le bien-être que procure la guitare.
Vers la tête de la guitare, vous avez les boutons d’accordage. Le type varie à cet endroit en fonction du type de guitare classique ou électrique. Au niveau du manche de la guitare, vous voyez les frettes situées. Ces petites barres sont généralement colorées en argent, et vous devez placer vos doigts juste avant les frettes. Il y a des points entre les frettes qui vous renvoient à ce que vous jouez.
C’est une partie essentielle car rien ne sonne plus mal que des guitares mal accordées. Il est important de vous donner des cours particuliers ou d’engager un professeur pour vous aider à apprendre cela correctement. De haut en bas, il y aurait 6 cordes qui sont comptées dans l’ordre décroissant. La 6ème corde est la note E, la 5ème corde est la note A, la 4ème corde est la note D, la 3ème corde est la note G, la 2ème corde est la note B, et la 1ère corde est la note E.
Les cordes doivent être accordées sur les notes indiquées et les boutons doivent être tournés doucement. Serrer une corde peut améliorer la hauteur du son alors que la relâcher peut l’abaisser. D’un autre côté, appliquer trop de force peut casser la corde et fouetter les yeux. La bonne façon d’accorder une guitare est de pincer une corde après l’autre. Cela vous permet d’effectuer de petits ajustements sur les boutons et vous devez faire attention à chaque partie.
Les étudiants demandent souvent à quel moment il faut changer les cordes de la guitare, car les nouvelles cordes sonnent toujours mieux que les anciennes. Il est préférable de suivre la marque que vous choisissez et il est également bon de demander au revendeur local ce qu’il recommande. Les cordes sont vendues par plusieurs marques et vous pouvez choisir parmi différents jeux. Elles existent en différents calibres qui correspondent littéralement à l’épaisseur de chaque médiator. Plus vos cordes sont épaisses, plus elles seront difficiles à jouer.
Les guitares rythmiques nécessitent un calibre de cordes léger. Si vous apprenez et jouez en solo, vous pourriez avoir besoin de cordes plus légères. Les débutants doivent toujours commencer par des cordes légères et passer à l’expérimentation. Cependant, plus vos cordes sont épaisses, plus elles sont susceptibles de durer. Il est bon de noter que les cordes neuves perdent très rapidement leur accord. Après quelques jours, elles s’étirent et l’accordage se maintient.
Maintenant que vous avez une idée théorique de base sur la façon de jouer de la guitare, vous devez connaître la réalité. Et pour cela, vous aurez d’abord besoin de l’instrument ! Lorsque vous achetez votre première guitare, vous devez prendre en compte plusieurs aspects. Des considérations telles que le prix, le style, l’état de la guitare, votre âge et l’endroit où vous achetez sont toutes importantes. Découvrez-les en détail ci-dessous :
Une guitare vous coûte entre 100 € et 500 € ou plus. Lorsque vous débutez, vous pouvez envisager d’acheter une guitare acoustique dont le prix varie entre 100 et 200 €. Vous devez vous demander pourquoi vous voulez acheter l’instrument afin de déterminer le prix. S’agit-il d’un passe-temps que vous avez toujours voulu pratiquer ? Ou êtes-vous passionné par l’apprentissage de l’instrument ?
Une guitare est livrée avec d’autres éléments dans le « package ». Cela signifie que vous aurez besoin d’accessoires en plus de l’instrument principal. Vous pourriez avoir besoin d’ajouter un accordeur, un sac de concert, des médiators, des courroies et plus encore. En moyenne, vous pouvez envisager de dépenser environ 200 € pour l’ensemble du paquet.
Nous recommandons aux débutants de commencer par une guitare acoustique, puis de passer progressivement à l’utilisation de guitares électriques. Les guitares classiques ont un manche plus large et peuvent être difficiles à manier pour les débutants. Si vous essayez de faire apprendre l’instrument à votre enfant, vous devez acheter une guitare acoustique adaptée à son âge ou à sa taille.
Les guitares électriques ont besoin d’amplificateurs et cela ajoute beaucoup au coût. Les acoustiques sont simples et ne nécessitent aucun équipement supplémentaire, hormis les accessoires. Tout professeur vous recommandera d’acheter cette option.
Si vous n’achetez pas une guitare neuve, vous devez vérifier le produit que vous achetez dans un magasin ou auprès de quelqu’un. Il est préférable de vous faire accompagner par un professionnel pour comprendre l’état de la guitare. Il sera en mesure d’analyser dans quelle mesure elle peut vous être utile. En tant que débutant, vous devez avoir une guitare en bon état. Sinon, cela pourrait vous empêcher de bien apprendre.
Les guitares ont des tailles différentes et vous devez acheter le produit en fonction de l’âge du joueur. Si le joueur est votre enfant de 8 ans, vous devez acheter la petite taille de 50 centimètres. La taille standard d’une guitare est de 98 centimètres. Cependant, il existe des tailles plus petites pour les tout-petits.
Les débutants doivent éviter d’acheter une guitare dans un vide-grenier ou sur un marché aux puces. Si vous faites vos achats avec quelqu’un qui a une idée de la qualité des guitares, vous pourrez peut-être prendre le risque. Vous pouvez vous fier à un magasin de détail local ou même acheter en ligne auprès d’une entreprise réputée. Assurez-vous de connaître les politiques de retour ou la garantie qu’elle vous offre. Essayez de choisir un produit de marque pour qu’il assure plus de fiabilité.
Les débutants doivent toujours utiliser un médiator pour éviter que leurs ongles ne se cassent. Il est normal de familiariser votre ongle avec les cordes, mais à terme, elles vous sembleront blessantes. Se familiariser avec une guitare est la première étape à franchir avant de commencer à jouer. Nous espérons que cela vous a aidé et que vous pouvez maintenant acheter la meilleure guitare pour commencer votre voyage musical !