Top 50 des albums de 2022

Publié le : 03 avril 202355 mins de lecture

La fin de l’année est souvent un mélange de sentiments mitigés, une période de nouveaux départs et de bilans rétrospectifs à la fois. L’année 2022 ne fait pas exception. Comme chaque mois de décembre, nous avons sélectionné les albums qui nous ont accompagnés au cours des 12 derniers mois et qui, chacun à leur manière, ont défini le son de la nouvelle ère.

Cette année nous a surpris avec de grandes œuvres conceptuelles, dont beaucoup étaient marquées par une ambiance de libération et de regroupement après des années d’isolement. Nous avons eu des retours d’artistes légendaires et aussi des conquêtes des nouvelles générations ; nous avons eu des disques qui ont pris la nostalgie comme matière première pour créer quelque chose de nouveau, et d’autres qui ont donné un coup de pied dans la planche pour briser les frontières entre les genres musicaux. Mais dans chacun des 50 albums de cette sélection, il y a une force imparable pour vouloir raconter, au-delà des formes et des styles, une histoire qui leur est propre.

50. Arctic Monkeys – The Car

Loin -très loin- était ce jeune homme avec la stratocaster blanche sur sa poitrine et les chansons caustiques sur l’inertie de la ville. Alex Turner a mûri et, partant de ce principe, sa musique a viré vers des lieux impensables. La voiture en est une preuve évidente. Dans la lignée de Tranquility Base Hotel & Casino, le septième album des Arctic Monkeys est teinté d’images rétro et de vibrations cinématographiques. Le protagoniste incontesté de l’instrumentation s’avère être le piano, bien que cette fois-ci ceinturé par plusieurs arrangements de cordes somptueux qui ne font qu’ajouter à l’épopée du morceau (son apothéose est « Body Paint »). Même si le groupe semble parfois se soumettre aux caprices d’un Turner qui cherche à imiter son alter ego encore inclassable, AM réussit à sortir un album intrépide et risqué, qui fait partie de la scène la plus complexe du groupe.

49. Los Planetas – Las canciones del agua

L’Armée rouge

Sur son dixième album, le groupe espagnol emblématique fait preuve d’une variété remarquable : poèmes mis en musique, flamenco mélangé à de la dream pop, dénonciation politique, noise rock, humour et même des refrains à hurler. Il commence par « El manantial », un poème rock de 12 minutes dans le meilleur style de Patti Smith, où les bases répétitives classiques de Los Planetas sont rejointes par le piano de David Montañes. La voix fatiguée de Juan Rodríguez goûte aux saveurs du flamenco dans « Alegrías de Graná », puis prend l’avion pour les États-Unis afin de rejoindre les Black Lives Matter dans « La nueva normalidad », mais revient bientôt en Espagne et cherche à se moquer du roi avec « El rey de España ». Avant de terminer, il revient à cette invitation au dense, au poétique et à l’émouvant avec « El antiplanetismo ». Dans Las canciones del agua, le groupe parvient à être fidèle au son qu’il entretient depuis 1993 et, en même temps, à rechercher des nouveautés tant sur le plan musical que sur le plan des paroles. C’est un album qui parle d’aujourd’hui, de maintenant, de tout ce qui se passe en Espagne et dans le monde entier.

48. Red Hot Chili Peppers – Unlimited Love

Les Red Hot Chili Peppers ont entrepris de rattraper le temps perdu sans John Frusciante en sortant deux albums la même année. Cependant, au-delà du retour au travail avec le producteur Rick Rubin et des fréquents clins d’œil au passé qui apparaissent dans les deux œuvres, il y a quelque chose qui distingue Unlimited Love du reste de leur discographie, et c’est le fait qu’à cette occasion, Anthony Kiedis a entrepris d’écrire les chansons sans les éditer ou les censurer lui-même. À une époque où l’instantanéité et la consommation rapide prédominent dans l’industrie musicale, les Chili Peppers cherchent dans cet album à revenir à leurs débuts avec un album étendu et riche en variété. Unlimited Love parvient à renouveler les Red Hot Chili Peppers d’une manière que l’on n’aurait jamais cru possible, en laissant le passé derrière soi.

47. Trueno – Bien ou mal

Sony Music / Sur Capital Records

Dans son deuxième album studio, le gamin de La Boca propose une œuvre conceptuelle divisée en deux axes principaux : le bien, avec des chansons festives et personnelles qui génèrent une atmosphère de célébration ; et le mal, avec des chansons marquées par la critique de l’injustice et de l’inégalité sociale, amplifiant encore plus le discours que Trueno avait montré dans son premier album, Atrevido. Bien o mal est, avant tout, une lettre d’amour à l’Amérique latine, à la fierté d’appartenir à cette terre et d’être argentin. Les collaborations avec Nathy Peluso, Víctor Heredia, Duki et Pedro Peligro, ajoutées aux clins d’œil et aux samples qui parcourent l’album, font de l’expérience d’écoute de Bien o mal un voyage à travers différents lieux et différents sons, où ne manquent pas le funk, le folklore ou la trap, toujours accompagnés de barres piquantes et hérissées. 

46. Muerejoven – Conditions générales

Bohemian Groove

« Ce n’est plus du trash, maintenant c’est de la finesse ». La pierre angulaire de ce premier album se trouve dans le titre que Muerejoven a sorti début 2021 en collaboration avec Evar. Comme Dillom, son complice et conjoint dans le Rip Gang, Nicolás Exequiel de Lorenzo a effectué un virage interne pour trouver une nouvelle peau et surmonter la dispersion de la logique du célibat. Terms & Conditions, c’est du mumble rap dans la bouche de son seul représentant porteño : un voyou séduisant, qui lance des boules puantes sur l’establishment du trap avec les rimes d’un passif-agressif endormi, encore à l’abri des lumières de la célébrité, et qui ose être incorrect sur la politique du sexe et du désir. De l’esthétique autotune blure de son son 2019 et 2020, Muerejoven est arrivé à ce style vocal marmonnant, presque abattu, qui compacte les mots et les cache comme un confesseur repentant.

45. Mogue – Partiellement nuageux

Indépendant

Parcialmente nublado cherche à donner un nom à un état d’esprit, à une atmosphère générale d’incertitude et d’absence de définition, mais aussi d’abandon aveugle face à un présent qui semble tantôt en pause, tantôt sur le point d’exploser. Dans les chansons de Miguel Canevari, la tristesse envahit les soirées et les protagonistes semblent être arrêtés à un carrefour, contemplant ce qu’ils veulent mais ne peuvent pas ou ne comprennent pas. Sur le plan sonore, la proposition est légère, pop et en même temps teintée d’airs folk et trap. L’autotune coexiste avec des bongos, une grosse caisse, des pianos et des guitares ; une recherche qui trouve son identité dans le mélange.

44. Juan Lopez – Plus de promesses

Indépendant

Après avoir chanté En el cielo (2022), Juan Lopez est redescendu sur terre sur des ailes de papillon pour révéler le poids de sa polyvalence. Avec une approche fraîche qui refuse les étiquettes, l’artiste cordouan affiche un large éventail de genres allant du reggaeton, du funk carioca et du drill à la pop, au rock alternatif et au R&B. No más promesas est un album effusif dans lequel la fusion rythmique est essentielle pour montrer que le pigeonnage est aussi obsolète que le conformisme esthétique. Son éloquence prend force à travers les contrastes – sonores et émotionnels – dans une formule musicale garantie pour élever l’humeur quand il le faut. Et quand ce n’est pas le cas, elle le maintient simplement à un niveau élevé et provoque une sensation soudaine à l’écoute de chansons comme « No Other Way », « Untitled » et « JahJahJah ». No More Promises parvient à capturer le sillage d’une étoile filante dans le but d’embellir ces vestiges qui brillent chaque nuit avant de disparaître.

43. Regina Spektor – Accueil, Avant et Après

Six ans après la sortie de Remember Us to Life – et avec une pandémie entre les deux – Regina Spektor a sorti son huitième album studio. Dans Home, Before and After, l’excellente chanteuse et pianiste fusionne le meilleur de ses premiers travaux avec un son mature, ambitieux et sophistiqué, et démontre une fois de plus pourquoi elle est l’une des meilleures conteuses d’aujourd’hui. Dans ses 10 chansons, les morceaux de piano si caractéristiques de Spektor (« Raindrops » et « Loveology », deux titres du début des années 2000 qui n’ont trouvé leur place que maintenant), coexistent avec des arrangements orchestraux (« Becoming All Alone », « Spacetime Fairytaile »), des programmations (« Up the Mountain »), du soft rock (« One Man’s Prayer ») et des mélodies accrocheuses (« Sugar Man »). Un album dans lequel Regina réfléchit à des thèmes tels que le temps, l’espace, l’amour et la perte avec la douceur, l’humour, la créativité et l’émotion qui la caractérisent. 

42. Los Subtítulos – L’Espectador entre en scène

Indépendant

Neuf chansons seulement ont suffi à Los Subtítulos pour façonner un premier album qui était sur les lèvres de tous les amateurs de rock alternatif. Les débuts de cette sorte de supergroupe indie argentin formé par le guitariste Manuel Larisgoitia et le claviériste Ignacio Kater de Tobogán Andaluz, Pedro Chalen de Mateo de la Luna à la batterie et Juan Pablo Mareco de Pyramides à la basse et aux synthétiseurs, sonnent de manière cohérente et crédible comme un ensemble de chansons aux mélodies bien construites avec une saveur mélancolique, Des guitares qui puisent directement dans la scène alternative des années 90 et des paroles profondes et pessimistes (« El futuro se olvidó de mí » peut-on entendre chanter dans l’un de leurs refrains les plus réussis ou « Si ya estás muerto, amigo, tanto como yo » dans un autre) qui ne passent pas inaperçues. Avec un album surprenant de chansons courtes et douces-amères, Los Subtítulos recherchent à leur manière la perfection de la pop mélancolique et, à plusieurs moments, ils semblent y parvenir. 

41. Lucrecia Dalt – ¡Ay ! Rvng Intl.

Ces dernières années, nous avons vu comment le courant dominant mondial a donné à la musique latino-américaine et hispanophone une place sur ses podiums, un espace qui a rapidement menacé d’homogénéiser le discours sur ce que signifie être Latinx et comment leur musique devrait sonner. Il revenait à Lucrecia Dalt, une artiste colombienne basée à Berlin, de démontrer à quel point l’aventure de la création musicale en utilisant l’héritage latino-américain comme matière première peut être complexe et infinie. ¡Ay ! est une œuvre difficilement comparable, un voyage émotif et futuriste à travers les extrêmes les plus fantastiques du boléro, de la salsa et du merengue, raconté du point de vue d’une extraterrestre appelée Preta. S’éloignant de l’electronica sombre et abstraite qui lui avait valu d’être reconnu sur la scène de la musique expérimentale, Dalt revient à ses origines pour étendre ses frontières vers l’intérieur.

40. Dalt – 7 chansons avant la panne d’électricité

Yuukii Records

Avec une empreinte kaléidoscopique, le duo argentin mené par Furio et Garoto 3000 remarque son penchant avant-gardiste orbital en combinant des éclairs de hip hop, de dancehall, de reggaeton, de house et d’hyperpop dans une élégie fluorescente à la nuit. Misant plus que jamais sur la méthode cathartique de la transe et sur le jeu vocal dynamique qui en rehausse la pulsation dansante, le suiveur de Vs (2018) propose d’extérioriser une succession d’intensités et de contingences dans une cadence quasi épistolaire à travers un semblant ancré dans l’imaginaire traditionnel et la scène musicale contemporaine des clubs. Il y a une tonalité moins affligée et sa poétique débridée a la furtivité comme protagoniste d’une perturbation émotionnelle. Dans son format conceptuel, 7 canciones antes de que nos corten la luz serait une excuse pour capturer la fugacité des désincarnés entre euphorie et déconsolation, un référentiel des instants qui passent, une machinerie pop futuriste pour âmes sensibles.

39. Yeah Yeah Yeahs – Cool It Down

Secrètement canadien

L’insignifiance est inhalée chaque jour et nous empoisonne jusqu’à ce que nous disparaissions. Nous devons communiquer quelque chose, exprimer ce que nous pensons, car si nous ne le faisons pas, qui sommes-nous ? Les Yeah Yeah Yeahs ont passé presque dix ans sans se faire remarquer – depuis leur dernier album, Mosquito de 2013 – et ils reviennent aujourd’hui pour nous montrer que l’immédiateté des réseaux et nos courtes durées d’attention ne sont pas des ennemis quand ce que nous voulons faire est quelque chose de mémorable, quelque chose qui dure dans le temps et dont on se souviendra. Chaque seconde de Cool It Down nous plonge dans une réalité qui semble plus grande que la vie, où il n’y a pas de filtres et où le présent n’est pas dispersé dans le passé ou le futur. Où nous pouvons ressentir profondément et nous tenir sans crainte devant l’océan pour découvrir qui nous sommes derrière le masque que nous portons chaque jour.

38. Guazuncho – Compost

Discos Fuego Amigo

Dans son huitième album studio, Iñaki Zubieta, originaire de Corrientes, en Argentine, continue d’étendre l’univers sonore de son projet Guazuncho. Compost est un album de maturation qui redouble le pari de son surprenant précédent album, Bordes (2020), dans lequel il avait fait un grand bond en avant en tant que producteur. Tout au long des dix chansons qui le composent, Zubieta se réconcilie avec de vieux amis, sample le percussionniste folklorique Domingo Cura, se dissout dans les atmosphères psychédéliques de la côte et prodigue de sages conseils spinettes à son fils : « Écoute la terre, c’est la vraie soif ». Le résultat est son meilleur album depuis son déjà classique Natsuki (2013), le juste équilibre entre des mélodies fortes, une production innovante et l’affirmation de son unique songbook électronique.

37. Lucas Martí – La memoria de un kiss

The Light Years Records

Le monde attend cet album depuis que Lucas Martí a entamé sa série imbattable de singles il y a deux ans avec « La memoria de un beso » et plus tard « Basta de Berlín », entre autres sorties accompagnées de vidéos musicales hilarantes. Et pourtant, La memoria de un kissno ne ressemble pas à une simple compilation, mais plutôt à l’un des albums les plus pointus d’une discographie sinueuse guidée par l’expérimentation de l’auteur et la confiance dans le format de la chanson. Tout au long de ses dix chansons, l’auteur-compositeur-interprète de Buenos Aires garde intacts son humour et son approche presque artisanale des mélodies, créant une œuvre qui relève autant de l’observation sociale que du cœur et de l’introspection.

36. Ex-Colorado – Le bienfait du temps et des décisions

Indépendant

Après avoir fait partie du mythique combo krautrock local Go-Neko ! », José Peta D’Agostino a donné le coup d’envoi de son projet solo Ex-Colorado avec le premier album Siete mares (2017), où il a assumé tous les rôles et toutes les tâches nécessaires à l’album et à ses chansons. Après une série de singles en avant-première, où il anticipait le son et le concept artistique à venir, en février de cette année a enfin vu la lumière du jour En lo bueno del tiempo y las decisiones, un album pour lequel il s’est adjoint un groupe de musiciens dévoués avec lesquels il a travaillé sur ses créations, et qui transparaît dans la douce force et l’élan inévitable de cette œuvre. Peta et ses compagnons utilisent un alliage sensible de synthwave, de krautrock et de dream pop – une fusion qu’il appelle « dreamykraut » – pour réfléchir sur la mélancolie et la résilience. Un album pour être ému, pour danser, pour se souvenir sans cesse d’avancer et pour chanter avec ferveur. 

35. Black Country, New Road – Fourmis de là-haut

Ninja Tune

Dans un courant dominant mondialisé et esthétiquement homogénéisé, la quête de Black Country, New Road semble se concentrer sur la récupération et l’actualisation de racines rock préhistoriques allant du jazz à la pop de chambre plus contemporaine des années 90. Le style crooner d’Isaac Wood a des antécédents récents dans Jarvis Cocker de Pulp ou Neil Hannon de The Divine Comedy et historiques dans des artistes tels que Jacques Brel ou Burt Bacharach. Le jeu de nostalgie et de musicalité du groupe anglais est sous-tendu par une exploration sonore qui va de la pop baroque à l’épopée historique du songbook pop britannique. Des chansons telles que « Concorde », « Good Will Hunting » ou « Chaos Space Marine » (qui semble faire référence à « Still Ill » des Smiths), reflètent l’atmosphère mélancolique et le besoin de s’exiler par l’art face au présent sauvage de l’entreprise et de la culture qui balaie le monde. En fait, quelques semaines après la sortie de cet album, Wood a quitté le groupe en raison de graves problèmes de dépression mentale, un phénomène qui touche aujourd’hui une grande partie de la jeunesse anglaise de moins de trente ans. Ants From Up There est un album qui nous invite à continuer de concevoir la musique comme un moyen d’élever l’imaginaire et qui fonctionne en même temps comme une œuvre de résistance culturelle face au présent opaque de la culture populaire. 

34. Kendrick Lamar – Mr. Morale & the Big Steppers

pgLang / Top Dawg Entertainment / Aftermath / Interscope

Mr. Morale & The Big Steppers est une noble déclaration de principes : que la réalité, ces pieds profondément dans la boue, sont parfaitement assortis à la virtuosité. Une œuvre composée de dix-huit chansons dans laquelle le dialogue entre la soul, le gospel, le R&B, le jazz et le funk génère une multiplication infinie des frontières sonores qui repose sur l’essence de la Black Music. Conformément au mandat historique, la voix est l’instrument le plus polyvalent et le plus puissant. De grands changements de ton et de rythme, ancrés dans une capacité qui est presque impossible à égaler à notre époque.

33. Valdes – Encore une fois

Discothèques de Geiser

Tout au long de Una vez más, il y a un sentiment de reconstruction – d’un lien, du monde, de soi-même – et une confiance aveugle dans la chanson pop comme remède. Depuis que Valdes a fait irruption sur la scène argentine il y a six ans, le postulat était clair : sa mission est de faire de la musique sur laquelle on peut danser. N’importe où et n’importe comment, mais pour danser – le premier titre de son premier album est le tube imbattable « Bailar sola ». Au fil des années et des albums, le duo Cordovan a progressivement huilé son moteur pop sans perdre de vue cette mission, qui gagne en force dans leurs célèbres concerts. Après le pandémique Postal (2020), dans lequel ils ont expérimenté la fusion des rythmes latino-américains, sur leur quatrième album, Valdes revient aux bases house avec lesquelles ils se sont fait connaître, cette fois avec plus d’instruments et une production exceptionnelle -Bernardo Ferrón de Telescopios montre une fois de plus ses références derrière la console- qui aboutit à leur meilleur album à ce jour. 

32. Weste – Wish Wish Wish

Indépendant

Mysticisme et nostalgie se conjuguent parfaitement dans Wish Wish, le nouvel album de Weste. Le duo pop expérimental composé de l’artiste patagonienne Clara Trucco et du producteur de Montevideo Ignacio Pérez déploie une proposition subjuguante avec une forte présence orchestrale et une approche kaléidoscopique des genres musicaux. Le projet déploie ses racines et nous emmène dans une vallée enchantée qui mêle des éléments de funk, de hip-hop lo-fi, de minimalisme, de jazz, de soul, de pop carioca et de ballade, n’ayant pas honte des contrastes dans le but d’exploiter l’impact sonore inhérent à la progression de son histoire. Un autre point fort est sa vertu lyrique, capable de combiner les misères du monde, la fragilité subjective et les fantasmes idylliques dans un même soliloque plein de sensations et de métaphores. S’immerger dans l’univers intérieur dévoilé par sa poétique nous oblige à flotter contre vents et marées afin de trouver la sérénité intrinsèque de Wish Wish. À partir du point de départ, divers microclimats convergent dans une exploration tribale alors que Weste s’ancre dans les énigmes insondables de l’être.

31. Cate Le Bon – Pompéi

L’été mexicain

Des villes construites sur une rage monumentale, dit la chanson titre du sixième album de Cate Le Bon. Pompéi fait allusion à la ville romaine dévastée par l’éruption du Vésuve en 79, mais il évoque aussi la méthode de l’auteur-compositeur-interprète d’origine galloise. L’album, sorti sur le label new-yorkais Mexican Summer, souligne symboliquement et matériellement sa philosophie : la musique est de la lave, elle brûle et transforme. Chaque chanson a la véhémence d’un volcan, elle ne peut s’arrêter, elle mute, elle voyage, en suivant les chemins habituellement trouvés par la basse et le sax (ou la batterie, dans « Cry Me Old Trouble »). Mais, quelque chose se passe lorsque Cate apparaît. Qu’elle soit visible ou latente, unique ou dépliée, qu’elle fasse un clin d’œil à Bowie ou à Björk, sa voix est une collection de points minuscules qui, vus de loin, finissent par former une seule image pointilliste.

30. Las Sombras – Le club des nostalgiques

El club de los nostálgicos est un album moulé dans un son complètement différent des œuvres précédentes de Las Sombras, conditionné par le fourmillement insistant de se projeter dans des lieux nouveaux, jusqu’alors inexpérimentés. Le changement est substantiel et palpable. Le caractère austère du groupe de Pampa est désormais rejoint par des synthétiseurs et des percussions qui se marient parfaitement avec le format classique des guitares, de la basse et de la batterie. La fumée de cigarette des précédents LP semble se dissiper, laissant entrevoir des couleurs stridentes, des mélodies rieuses et l’influence des groupes nationaux des années 80. Un autre aspect qui a évolué et s’est transformé est la narration et la manière que le groupe a trouvé pour raconter l’histoire derrière chaque chanson. Si dans les premiers albums, ils étaient de jeunes banlieusards perdus dans les silhouettes de la ville, débitant leurs expériences au son de riffs accrocheurs, ils utilisent désormais le sentiment de nostalgie et la puissance de la chanson comme un moyen essentiel de transmettre des émotions. Une poésie tango qui baigne dans la mélancolie et chante des temps meilleurs.

29. Ysy A – Ysysmo

Parrainer Dieu

Ysy A fait partie de ces artistes qui sont capables de se transformer constamment sans perdre leur essence. Année après année, le 11 novembre est devenu un véritable événement au cours duquel se révèle la nouvelle facette artistique de l’un des derniers alchimistes sonores de notre musique. Et 2022 l’a trouvé alliant nostalgie, innovation et expérimentation : Ysysmo est une œuvre éclectique et complète qui condense toutes les étapes d’Ysy A et ouvre la porte à de nouveaux horizons sonores. Les 12 chansons d’Ysysmo sont un mélange de trap classique, d’hommage à nos racines culturelles et de profonde introspection. Un beau travail de production qui alterne entre obscurité, célébration et lysergie. La clôture se fait avec deux questions simples à répondre : Un étage de plus ? Sans aucun doute, la barre continue d’être relevée. Qui est piégé ? Ysy A.

28. The Weeknd – Dawn FM

XO / République

Notre culture est obsédée par son passé. Nous avons tendance à penser à ce que ce serait de vivre dans le passé, mais nous n’avons pas besoin d’une machine à remonter le temps pour le faire lorsque nous avons des artistes qui l’apportent dans notre réalité d’une manière aussi iconique que The Weeknd. Avec After Hours, son précédent album de 2020, l’artiste canadien s’est transcendé et s’est cimenté en tant qu’icône pop, celui qui ne se laisse pas emporter par ce que font ses pairs, mais crée son propre chemin, une mission qui est réaffirmée avec l’arrivée de Dawn FM. C’est une œuvre qui capte la façon dont la mort nous effraie, nous pouvons à peine l’envisager comme une idée, car nous sommes tellement concentrés et préoccupés par nos problèmes, par les choses que nous faisons et ne faisons pas, que nous ne réalisons pas qu’en fin de compte, tous ces soucis ne servent à rien, mais que nous devons laisser être et grandir. Comme le dit Jim Carrey vers la fin, nous devons démêler notre esprit et l’entraîner à s’aligner, à danser jusqu’à ce que nous trouvions ce boogaloo divin.

27. Weyes Blood – Et dans l’obscurité, les cœurs s’illuminent

« Aucune obscurité ne dure éternellement. Et même là, il y a des étoiles », a écrit Ursula K. Leguin. Dans son nouvel album, Natalie Mering semble prendre cette phrase comme prémisse pour composer la bande sonore d’une liturgie pour des paroissiens au bord du désespoir. Deux ans après l’arrivée de la pandémie et en plein milieu de la crise environnementale actuelle, l’artiste californien livre dix ballades enivrantes qui offrent une profonde introspection avec de subtiles lueurs d’optimisme. Sur le plan sonore, les arrangements semi-orchestraux et les échantillons de sons de la nature ajoutent une touche expérimentale à cette œuvre. Leurs paroles traitent avec éloquence de l’amour et de la solitude dans la post-modernité ; et en même temps, ils plongent profondément dans le monde spirituel en parlant des âmes sœurs, du mythe de narcisse, et de la lutte pour une autre chance pour l’humanité.

26. Bad Bunny – Un été sans toi

L’accueil critique et le succès commercial monstrueux obtenus par Un verano sin ti peuvent nous faire oublier que derrière cet accueil enthousiaste, uniforme et généralisé se cache un album complexe, stimulant et paradoxal. Si le public s’attendait à une succession de slams dansants macérés dans le dembow, ce que cet album a apporté est un kaléidoscope stylistique allant du merengue à la bossa nova, et si cette variété pourrait insinuer, en principe, un condensé de la musique latino-américaine, l’influence de divers genres d’origine anglo-saxonne tels que la house, la trap et la synth pop révèle une ambition fondamentalement mondiale. On dit de A Summer Without You qu’il va changer la donne, en amenant le « latin » à l’épicentre de la pop internationale. Cependant, la latinidad de Bad Bunny échappe aux clichés avec lesquels cette identité est souvent cataloguée – un été dans les Caraïbes a-t-il jamais sonné aussi mélancolique que le morceau titre ? En bref, avec cet album – son magnum opus – Bad Bunny a élargi et transformé le concept de « latin urbain » pour un public mondial, conquérant ainsi le monde.

25. Bandalos Chinos – El Big Blue

Indépendant

Dans leur nouvel album, El Big Blue, les Bandalos Chinos sont déterminés à retourner à leurs racines, à revenir à leur point de départ, mais avec les ressources qu’ils ont acquises ces dernières années. Tout est pensé sous l’angle des propositions et des blagues internes, mais aussi d’une introspection après tant de solitude collective qui infiltre la musique. Par-dessus tout, Big Blue est une porte ouverte. L’humour n’a pas été perdu, ni la romance, mais l’ouverture de tant d’émotions, certaines pouvant même être accablantes, permet au groupe de Beccar d’approfondir ses sentiments, ses craintes et la mélancolie engendrée par tant d’enfermement pendant si longtemps. 

24. Viagra Boys – Cave World

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Menés par le chanteur américain Sebastian Murphy, basé à Stockholm, les Viagra Boys ont connu une ascension inhabituelle dans l’industrie musicale grâce à leur post punk ironique, strident et dense, et à un engagement énorme dans leurs concerts. Il plane autour des douze chansons qui composent leur troisième album un air apocalyptique et ironique sur la société de consommation, les modèles sociaux imposés et les accès de violence des gens. Dans des chansons comme le single « Troglodyte », le groupe raconte l’histoire d’une personne qui fantasme sur le fait de tirer un jour sur ses collègues de travail, en référence directe au présent violent des États-Unis.

23. Saramalacara – Eclipses3

Bohemian Groove

Pour sortir Eclips3, le jour de son 22e anniversaire, Saramalacara n’a pas sorti un QR code, ni imaginé un NFT, mais quelque chose de totalement anachronique : une page web à laquelle vous accédez depuis votre PC. 333 hyperliens parcourent son éducation sentimentale, à la manière d’un deepweb propre à l’esthétique du premier internet, lorsqu’il se révélait comme un monde mystérieux, plus sauvage, qui apparaît aujourd’hui comme un paradis perdu dans l’ad-block. Dans les chansons de la jeune Sara, on peut vraiment ressentir la texture de l’internet. C’est-à-dire qu’elle fait partie d’une génération qui vit dans un temps liminal, où tous les temps sont du temps. Où se mêlent le malaise des années 90 et l’attirail du bogue de l’an 2000, la chiptune et le hip-hop, l’esthétique des anime et des VHS, un toit du Grand Buenos Aires et l’architecture de la Sagrada Familia de Barcelone (qui est la couverture de l’album et qui est tatouée sur sa jambe). Sara est aussi la rappeuse originale et existentialiste que nous attendions : elle n’a pas besoin de déclamation pour synthétiser un certain mécontentement collectif de l’époque ; il se cristallise dans son déchirement permanent. Elle est la fille cool qui assemble un rubik’s cube tout en parlant de ses chansons, celle qui a aussi compris que parler de baskets chères dans un monde en voie de désintégration nécessite, au minimum, un sens de l’humour. 

22. Big Thief – Dragon New Warm Mountain I Believe in You

Lorsque vous regardez le peuple, que voyez-vous ? Que trouvez-vous ? Comment le trouvez-vous ? Que faites-vous avec lui ? Intervenez-vous, interagissez, laissez-le faire ? À quelle conclusion arrivons-nous pour libérer le corps céleste ? Si le groupe Big Thief se concentre sur quelque chose, c’est sur la possibilité d’apprendre, de la manière la plus intense possible, à vivre dans le flot de tant d’informations et de désespoir. Ils cherchent et cherchent, et ils trouvent quelque chose. Ici, cependant, il y a un saut, et un saut prononcé. Auparavant, leurs jeux avec la country et l’americana n’étaient que cela : des jeux. Sur cet album de 20 chansons, qui atteint les 80 minutes, les incursions dans différents genres sont plus prononcées et supportables. L’album a été produit par le batteur du groupe, James Krivchenia, et l’accent mis sur l’instrumentation qui accompagne les compositions d’Adrianne Lenker est essentiel et place Big Thief bien au-dessus de ses contemporains. Il y a un design sonore étrange, voire original, qui élargit le palais musical du groupe.

21. Cariño – Cariño

Sonido Muchacho / Universal Music Espagne

Depuis quelque temps, la pop espagnole prend d’assaut le pays (Las Bistecs, La Casa Azul, Doble Pletina pour ne citer que quelques groupes) et les Cariño ne sont pas en reste. Après leur premier album en 2018 et plusieurs singles à succès -comme leur reprise de « Llorando en la limo » de C. Tangana-, ils ont présenté cette année leur album éponyme. Le trio a doublé Movidas avec une demi-heure de chansons hilarantes dans lesquelles ils tâtonnent dans le domaine des synthétiseurs et des bases rythmiques qui donnent libre cours à la chanson sur l’amour à l’heure du ghosting, de l’astrologie et des réseaux sociaux. Certaines chansons ont leur clip vidéo sous la forme d’une histoire racontée en plusieurs parties, « No me convengo » et « Si quieres », qui sont définitivement les nouveaux hymnes romantiques de cette époque.

20. Jambe mouillée – Jambe mouillée

Avec un pied dans le meilleur indie des années 90 et un autre dans la scène new-yorkaise de 2000, ces Anglaises ont sorti un album qui, bien que rempli de références au passé, parvient à sonner de manière rafraîchissante grâce à ses guitares directes et ses mélodies instantanées. Le premier album de Wet Leg est un exercice de rock indé avec des refrains accrocheurs et un goût d’adolescent. Parmi ses douze chansons, il y a quelques moments vraiment forts comme le clin d’œil Britpop de « I Don’t Wanna Go Out », la ballade « Loving You » ou le post punk énervé aux B-52’s de « Angelica ». Le duo a donné forme à un album qui, même en foulant un sol déjà foulé par le rock, parvient, grâce à de bonnes chansons et à une certaine attitude irrévérencieuse, à découvrir de nouveaux paysages pour une scène trop ancrée dans son passé.

19. Six Sexe – Zone 69

Dale Play Records

Obstination, performance et sensualité sont des signifiants qui renforcent la ligne débordante de Six Sex, l’une des références argentines du néo-opéra. Tout au long de l’année 2021, l’artiste d’une vingtaine d’années a sorti une trilogie de singles qui s’aventurent dans le reggaeton, le RKT et la cumbia après être passés par son côté raver et électropop. Au début de cette année, l’alter ego incarné par Francisca Cuello a réuni ces dernières sorties – « Duro », « Culeo » et « Sunshine » – pour compléter le répertoire qui a déclenché Área 69, ainsi que trois autres titres inédits. Produits par La Finesse, les six morceaux qui composent l’EP qui succède à Fantasy (2019) cristallisent son tempérament effervescent après avoir fusionné l’érotisme, l’ironie et l’autonomisation à travers des paroles hérissées – et en même temps mignonnes – qui se réjouissent vers l’éruption glamour et électrisante de la « surchauffe dans la zone 69 ». 

18. Charli XCX – Crash

Atlantique

Au cours des années 2010, des centaines d’artistes ont tenté de nous conquérir. Mais rares sont ceux qui ont réussi à rester et à s’imposer sur la scène, en nous surprenant constamment et en nous montrant leur côté le plus authentique à chaque album. Charli XCX en fait partie. Depuis sa collaboration avec Iggy Azalea, « Fancy », son image s’est transformée en celle d’une femme qui brise constamment les règles de la pop et n’a peur de rien. Crash est la clôture d’un cycle immergé dans les références automobiles qui a commencé avec Vroom Vroom, sa première collaboration avec la productrice Sophie, qui l’a rapprochée du son et de l’esthétique hyperpop qu’elle domine désormais.

17. Björk – Fossora

Un petit indépendant

La conclusion de l’arc de rupture et de récupération qui a caractérisé l’œuvre la plus récente de Björk a laissé à portée de main une question qui, jusqu’à la sortie de Fossora il y a quelques semaines, était valable depuis cinq ans : Que compte-t-elle nous surprendre ensuite ? La réponse est là, et Fossora est, selon les mots de Björk, son « album champignon », une réponse à l’idéalisme d’Utopia et au nihilisme de Vulnicura, dans un juste milieu plus pragmatique et terre-à-terre. Son titre, qui signifie « creuseur », fait allusion à la pandémie de covacha qui a caractérisé ces dernières années et dont Björk a cherché à saisir l’enracinement, à travers des lignes de basse perçantes, un sextuor de clarinettes et les multiples éclats de gabber du duo indonésien GMO. Mais par-dessus tout, Fossora est l’album dans lequel Björk s’assume comme matriarche, au sens propre comme au figuré.

16. Feli Colina – La vallée enchantée

Discothèques Popart

El valle encantado est un album conceptuel qui, au milieu des nuances folkloriques, des silences, des chuchotements et des pulsations de la nature, raconte la quête inlassable de Feli Colina pour trouver la figure qu’elle appelle la Muse, ou la Mère, au milieu d’un creuset de prose qui évoque la manifestation de cette inspiration. Aucune chanson n’y ressemble à l’autre, mais elles font plutôt partie d’un récit intime et courageux qui n’a pas besoin d’étiquettes, mais dans son identité – là où se trouve l’essence -, il lui est impossible d’échapper au brio nordique.

15. Sara Hebe – Dirty Star

Indépendant

Lorsqu’elle a sorti La hija del loco (2009), son premier album, la rappeuse a dû brûler une vision à long terme à travers des dénonciations hybrides afin que sa résistance ne soit pas prise pour de la résilience. Cependant, son dernier album renouvelle son évocation contestataire pour étendre sa poétique aux situations du quotidien. Sara Hebe reconnaît que l’amour, le sexe et le plaisir sont également interrompus par les mensonges, le sectarisme et la corruption. Sucia estrella montre une version plus fraîche de Hebe, sans perdre la grâce, la puissance ou le style. En tout cas, sa recherche semble infinie : de la trap, de la pop et du punk à la house, la techno, l’hyperpop et le dancehall, la rappeuse patagonienne fait de l’expérimentation sonore la bannière de sa proposition esthétique. Son cinquième album est une démonstration féroce d’exigence, dans laquelle son habileté et sa ténacité racontent le calme d’un éternel éveil pluripolitique et contreculturel.

14. Beach House – Once Twice Melody

(en anglais)

Nous cherchons sans cesse des significations, des raisons et des motifs pour que ce que nous appelons « la vie » ait des pieds et une tête. Pour que nous n’ayons pas l’impression que les mauvaises choses qui n’arrivent pas sont le fruit du hasard, mais qu’elles nous préparent à quelque chose de plus grand. Dans Once Twice Melody, Beach House s’inspire de l’expérience de la terre comme d’une obscurité qui cache des mystères, des couleurs et des histoires. Once Twice Melody est le premier album entièrement produit par Alex Scally et Victoria Legrand, les membres du groupe, depuis qu’ils ont commencé à travailler avec le producteur Chris Coady sur Devotion (2008). Mais ce n’est pas tout : il s’agit d’un double album qui comporte quatre parties – ou « chapitres », comme ils l’appellent – avec près d’une heure et demie de matériel musical. Il n’est pas facile à créer ou à traiter en raison de la lourdeur de son esthétique sombre. Le projet est une porte qui s’ouvre sur des pièces qui mènent à leur tour à des milliers d’autres couloirs.

13. Fin del Mundo – La ciudad que dejamos

(La fin du monde – La ville que nous avons quittée)

Anomalía Ediciones

Dès la pochette de leur nouvel EP, on voit que le paysage change pour Fin del Mundo. La nature – qu’ils contemplaient paisiblement dans leurs débuts éponymes en 2020 – s’impose et réclame ce qui leur appartient au milieu d’un paysage urbain dévasté. L’envie d’évasion est une fois de plus le moteur du groupe patagonien basé à Buenos Aires : les références aux voyages et aux paysages naturels sont constantes sur La ciudad que dejamos, tandis que les arrangements penchent davantage vers le shoegaze. Il y a des clins d’œil à l’emo (le refrain de « El próximo verano » !) et un nouvel hommage à Pizarnik (les paroles de « Hacia los bosques » sont tirées du poème « Vida »). Si la transformation ne s’arrête pas, les Fin del Mundo sont les premiers à dire qu’ils vont partir.

12. Isla Mujeres – Courir à l’intérieur

Indépendant

C’est un besoin urgent de transformation qui mobilise Islas Mujeres au moment où elle entre dans les profondeurs de son troisième album. Correr adentro affiche un style irisé qui combine des éléments de différents genres musicaux pour éclipser toute forme de pigeonisation capable de déformer l’arôme de la liberté la plus ludique, précieuse et insurrectionnelle. Le trio de La Plata parvient à élargir les horizons par le biais de confluences sonores et poétiques qui imitent la diversification de leur proposition esthétique. Entre extase et placidité, se condensent les clairs-obscurs d’une recherche collective, d’un travail constant et de ces sensations inhérentes au concept de l’album.

11. Beyoncé – Renaissance

Parkwood Entertainment / Columbia

« Je suis l’une d’entre elles/ Je suis la numéro un/ Je suis la seule », chante Beyoncé sur « Alien Superstar », et nous savons que nous la croyons. La reine de la scène nous a encore une fois offert un album incroyable. Avec un mélange éclectique de house, de pop et de R&B, sa marque de fabrique, elle a ajouté cette fois le désir de célébrer la musique de danse noire des dernières décennies. Rendant hommage à ceux qui ont bouleversé la scène queer et afro-américaine (Grace Jones elle-même y chante !), cet album a battu le record de tous les temps en étant nommé dans neuf catégories pour les prochains Grammys. Et Queen B a ce qu’il faut. Bien que nous ayons dû attendre six ans pour pouvoir profiter de tous ces rythmes, cette attente devenue renaissance en valait la peine.

10. Buenos Vampiros – Destruya!

Discos Casa del Puente

Buenos Vampiros nous entraîne dans une atmosphère crépusculaire, aussi lugubre que stridente, qui déborde toute forme de pigeonisation esthétique. Destruya ! fleurit surchargé d’émotions viscérales, secoue le corps jusqu’au bord de la tachycardie, et ombrage des paysages oniriques à la recherche d’une certaine rédemption de l’âme. Avec toute l’effervescence d’extérioriser le flot des sensations entre crudité et nostalgie, le groupe de Mar del Plata parvient à condescendre des larmes de rage et de tristesse dans la tempête d’un maelström sonore. Inspiré par le mouvement riot grrrl, Destruya ! est une ode au présent qui, en maintenant le même degré d’intensité, adopte la cyclothymie des vagues après avoir déchaîné le chaos et crié des fables pendant plus de vingt minutes électrisantes.

9. Alvvays – Blue Rev

Polyvinyle / Transgressif

Plus qu’un voyage dans le passé, le troisième album du groupe canadien pourrait être une uchronie : un regard sur un présent parallèle où nous avons pris d’autres décisions qui nous ont conduits à des endroits différents. Molly Rankin raconte des histoires inspirées des paysages côtiers du Cap-Breton comme si elle n’avait jamais quitté l’île où elle a grandi, dépeignant la crise existentielle d’une génération qui traverse la seconde moitié de la trentaine. Avec des chansons courtes qui passent par différentes humeurs, des ponts cathartiques qui modifient le sens de chaque morceau, des guitares de plus en plus proches du shoegaze et un trémolo en main, Alvvays prouve qu’il peut continuer à explorer des sons familiers sans trop s’éloigner des origines. C’est toujours la musique qu’ils aiment le plus écouter et jouer en direct, et c’est ce qui compte. 

8. Marilina Bertoldi – Mojigata

Musique Pelo

Brut, provocant, et avec une empreinte rock incontournable, c’est le quatrième album studio de Marilina Bertoldi. Si Prender un fuego – son album de 2019 qui lui a valu le prix Gardel de Oro – était une déclaration rageuse marquée par le funk et la soul, Mojigata est un album plus austère dans le meilleur des sens, représenté par le rock and roll des années 70, fidèle aux influences de l’artiste. Des riffs de guitare distordus et une batterie lourde impriment la sonorité de l’album, tandis qu’une ballade confessionnelle avec Javiera Mena, « Amuleto », se glisse entre les deux. Conceptuellement, l’album est une exorcisation des crises passées et présentes, le passé étant un moteur de création et de libération. C’est aussi un espace de loisirs et d’amusement, où apparaissent les plaisanteries et la séduction naturelle. Un pas plus que ferme pour le nouveau représentant du rock argentin.

7. Babasónicos – Trinchera

Discothèques Popart

Dans leur premier album depuis 2018, les Babasónicos semblent livrer dans cette collection de chansons leurs réflexions, impressions et apprentissages sur une époque où la vie de l’humanité entière a radicalement changé et où la fin du monde a été vécue plus proche que jamais. Quatre ans qui ont ressemblé à dix. Trinchera est un album qui, dès son titre, s’interroge sur la mort. Pas de coups bas, pas de sentimentalisme, juste une prise en charge. Babasónicos continue de vénérer l’évasion et la fuite, mais plus que jamais comme une soupape de sécurité, pleinement conscient que l’évasion est une nécessité fondamentale pour rendre l’existence supportable dans un monde sordide et douloureux comme celui dans lequel nous vivons.

6. Le sourire – Une lumière pour attirer l’attention

The Smile’s A Light For Attracting Attention est une rencontre transcendantale entre Thom Yorke et Jonny Greenwood en parallèle à Radiohead, aux côtés de Tom Skinner, batteur des légendes britanniques de jazz fusion Sons of Kemet. Le trio libère sa soif d’expérimentation et embrasse un large éventail de genres avec des guitares au premier plan, du math et post rock au post punk, créant des textures psychédéliques et quelques riffs plus finement exécutés. Bien sûr, sans laisser de côté leur côté électronique et leur talent pour créer des atmosphères immersives grâce à l’utilisation saisissante des synthétiseurs et de la programmation. Comme une bouffée d’air frais, The Smile nous rappelle pourquoi Yorke est devenu le plus grand auteur-compositeur-interprète de mélodies profondes et existentialistes de sa génération.

5. Javiera Mena – Nocturna

Indépendant

Dans son cinquième album, Javiera Mena maintient un lien avec ses albums précédents, mais c’est à partir des images que ses paroles provoquent que l’artiste chilienne encourage une recherche plus audacieuse. Dans Nocturna, il y a de l’érotisme, du romantisme et un appel au sexe-affectif, mais qui joue aussi avec le politique dans l’affection. L’ambiance des rencontres festives se poursuit, dans le bar et dans la discothèque, mais avec cet autre pouvoir comme protagoniste. Déjà avec son premier titre, « La Isla de Lesbos », il appelle à cet érotisme du point de vue lesbien, pour permettre ensuite à chaque auditeur de rester sur cette même île ou d’aller sur une autre. Mais sans jamais abandonner la sensualité, l’amour et la remise en question des relations. « Me gustas tú » est une ballade moelleuse qui enveloppe également l’auditeur de la tête aux pieds, tant sur le plan sonore que lyrique. Quelque chose de similaire se produit avec « Eclipse totale », très sentimental mais avec un rythme house. Avec « Sincronización », elle ouvre une autre porte aux liens par la virtualité. De cette manière, la plus grande icône pop chilienne réalise une œuvre très riche, retentissante et suggestive, qui s’exprime parfois innocemment sur le lesbianisme, le sexe, les relations et le fait de tomber amoureux. 

4. Mon ami invincible – Isla de oro

Discothèques de Geiser

Il a suffi d’une pandémie pour que Mi Amigo Invencible mette de côté, au moins momentanément, la mélancolie qui était sa bannière et sa carte de visite. Isla de oro est une manifestation d’insouciance, un album moins méticuleux que leurs précédents travaux, au point qu’il a été enregistré en seulement huit jours en studio. Dans cette recherche sonore, la palette de couleurs du groupe de Mendoza devient plus optimiste, avec des mélodies et des rythmes qui complètent une pop rock particulièrement agréable. « La voiture est vieille, mais elle va encore nous emmener, même si je ne sais pas quelle route choisir », dit le groupe dans « La araña ». Ce mélange de conviction et d’incertitude, de doute et d’optimisme, est la plus grande force d’un groupe qui se sent plus invincible que jamais.

3. Lara91k – Como antes

Le début en solo de l’ancienne chanteuse de Coral Casino s’empare de nos émotions avec vingt chansons qui montrent à quel point le cœur peut être anarchique face au temps qui passe. Comme auparavant, il déclenche une révolution sensible pour mettre en valeur la véritable Lara Artesi dans les différentes sections et ajouts de son propre journal de confession. « La nostalgie est fondamentalement ce qui me définit, je suis une putain de nostalgique », souligne-t-elle avec une simple modestie dans ce que ses paroles révèlent. Comme la traînée d’une étoile filante, le fil de Como antes brille d’intensité une fois la première écoute passée. Car la première écoute est une pure surprise, tandis que les quelques tours suivants vous invitent à percevoir une fréquence plus élevée où le tout est plus que la somme de ses parties. De « Ego » à « Nube », l’empreinte digitale de Lara reste imprimée sans pour autant diminuer l’élégance et la pureté de son style. 

2. Julieta Venegas – Tu historia

Lolein Music

Sept ans après avoir sorti son dernier album studio, Julieta Venegas revient sur la scène musicale avec Tu historia : un album frais, avec des instrumentaux très présents et un storytelling qui mène à l’introspection. Chacune des dix chansons qui composent l’œuvre agit comme une capsule hermétique où les erreurs, les peurs et les enseignements fusionnent en un seul message. Fidèle à son style, Venegas donne à chacune de ses histoires un son spécial et unique. « Walking alone », par exemple, porte la lourdeur qui mérite la plainte qu’il présente. « Nostalgie » est un voyage dans le passé. Ce sont des chapitres d’une histoire plus vaste et arrondie. Avec sa voix et sa prose incomparables, l’auteur-compositeur-interprète mexicain basé à Buenos Aires réalise un projet solide pour raconter, à travers les étapes et les rêves, sa propre histoire. 

1. Rosalía – Motomami

Columbia

Après El mal querer (2018), Rosalía a commencé à sortir des collaborations avec pratiquement tous les artistes en vogue sur la scène urbaine. Motomami, son troisième album sorti quatre ans plus tard, est le résultat inévitable d’un tel exercice de prouesses. L’artiste catalane a profité de l’insouciance de la fête pour chanter avec J Balvin, Bad Bunny, Daddy Yankee et Ozuna, entre autres, et les lourds fils conceptuels sur la mort et la maltraitance qu’elle a tissés dans son œuvre solo appartiennent désormais au passé. Disparue aussi, mais pas entièrement, l’influence du flamenco pour faire place aux bases du reggaeton.

Rosalía est maintenant plus d’humeur à s’amuser et à prendre du bon temps. Mais, comme nous parlons d’une grande artiste, cela ne signifie pas qu’elle soit devenue commerciale, simple ou banale. Rien n’est plus éloigné de cela : bien que la production soit assez minimaliste, Motomami est un album énorme, complexe, digne d’une analyse détaillée, comme en témoignent les nombreuses analyses des internautes sur n’importe quelle plateforme, média ou réseau social.

Bien que le reggaeton occupe presque la moitié de l’album, Motomami est présenté et ressenti comme un grand collage qui se nourrit de contrastes et de dualités, chargé de détails qui brisent les règles du genre. Non seulement il y a des contrepoints dans les arrangements et les techniques de production qui font de certains morceaux une sorte de jeu de poupées russes, mais il y a aussi une balançoire émotionnelle très forte, avec une tracklist qui vous invite à faire la fête et à pleurer instantanément, ou les deux en même temps, comme dans le très beau « Candy » (sans parler de la vidéo qui multiplie la mélancolie avec une référence à Lost in Translation, ce grand film de Sofia Coppola). Rosalía continue d’utiliser la ressource consistant à appliquer des filtres sur la base musicale pour mettre en avant sa voix nue et raconter une histoire, dans ce cas celle d’un chagrin d’amour, avec des résultats bouleversants.

La liste des pistes est donc un tourbillon dans tous les sens du terme. Il y a de la bachata aux côtés de The Weeknd, qui chante en espagnol et présente une ressemblance vocale frappante avec Romeo Santos sur « La fama », il y a du flamenco avec des claquements de mains et de l’autotune sur « Bulerías », une version du boléro cubain de Justo Betancourt avec un sample de rap sur « Delirio de grandeza », et plusieurs ballades qui sont toutes dans la même veine, et plusieurs ballades dont « Heitai » se distingue par l’esprit et le sens de l’humour qui consiste à composer une chanson délicate digne d’une bande originale de Disney pour la chanter avec des paroles hyper-sexuelles et vulgaires aux oreilles moralisatrices de quelques-uns. Et vers la fin et sortant de nulle part, la batterie en mode mitraillette pour encore plus de perplexité.

Au-delà des variétés et reformulations stylistiques, Motomami est un collage en termes formels. Seules deux des quinze chansons font plus de quatre minutes et tout se passe très vite. C’est un album moderne, un reflet de cette époque où la consommation culturelle est instantanée et fragmentaire au point que sortir un LP de nos jours a de moins en moins de sens. Les changements d’humeur d’une chanson à l’autre peuvent également être compris comme un miroir de l’instabilité de nos routines dans un monde frénétique difficile à habiter.

Un autre geste moderne est le bombardement de références mondiales aussi dissemblables, à l’intérieur et à l’extérieur du monde de la musique. Cela génère une dispersion encyclopédique qui vous pousse à faire des recherches, à googler pour approfondir, à ouvrir des liens partout (le démbow « La combi Versace » avec Tokischa en est l’épitomé : il n’y a pas de nom dans le monde de la mode actuelle sans le mentionner). Écouter Motomami, c’est comme faire défiler TikTok. Ce n’est pas pour rien qu’il y a un mois, Rosalía a fait une présentation de l’album à travers ce réseau social, une version encore plus concise pour s’adapter aux formats de consommation dominants.

Comme on dit, le court est aussi bon que le double. Malgré cela, il y a des morceaux comme « Saoko », un reggaeton sale qui meurt au bout de deux minutes sans exploser et, surtout, la formidable difformité de « CUUUUuuuuuuute », avec cette base techno sombre et des arrangements de percussions qui alternent entre la samba et -encore- la mitrailleuse, qui peuvent laisser une sacrée poignée à souhaiter une version étendue, voire un remix. Vers le milieu de la chanson, l’apogée agressive est coupée par un pont en mode ballade nostalgique qui réclame des papillons et les fait tomber, résumant ainsi l’esprit de bipolarité émotionnelle de tout l’album. Et au passage, il indique clairement que Rosalía peut faire ce qu’elle veut. Ce talent, qui est aussi une attitude, lui a apporté beaucoup de reconnaissance, mais elle a aussi reçu – et reçoit encore – une partie de la haine la plus virulente. Les lettres eme de la pochette du Motomami forment les ailes d’un papillon et sont installées comme logo. Ces insectes sont présents dans plusieurs paroles dès « Saoko », le premier morceau : « Yo soy muy mía, yo me transformo/ Una mariposa, yo me transformo » (Je suis très mien, je me transforme/ Un papillon, je me transforme). Rosalía se transforme et fait ce qu’elle veut. Et ceux qui sont à l’extérieur sont du même avis.

Aux côtés de Rosalía, une longue liste de producteurs ont mis leur grain de sable dans Motomami : El Guincho, Pharrell Williams, Frank Dukes et The Weeknd, entre autres. Mais c’est elle qui est aux commandes, aucun grand nom n’a éclipsé son empreinte tout au long de l’œuvre et cela montre qu’elle n’est pas un produit commercial marionnette d’un quelconque homme de studio comme beaucoup l’accusent. Avec cette nouvelle production, à force d’audace et de fraîcheur, Rosalía s’élève pour marquer une génération – que ce soit par le tumulte en faveur mais aussi contre – et pour ouvrir le terrain de jeu dans le domaine de la musique populaire moderne, comme l’ont fait autrefois Madonna et Lady Gaga.

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